Fernando Velázquez, la ROSS y el Coro Ziryab en Sevilla y Cádiz. Repaso a la música del compositor

El compositor Fernando Velázquez dirigirá a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y al coro Ziryab cordobés en dos interesantes conciertos que se celebrarán el jueves 9 y el domingo 12 de noviembre en Sevilla y Cádiz, respectivamente.

Que vayamos a la capital hispalense es algo a lo que ya estamos acostumbrados los seguidores de la música de cine, aunque ahora se cuentan de manera muy aislada estos conciertos desde que algunos lumbreras decidieran acabar con los Encuentros de Música Escénica y Cinematográfica que coordinaba Carlos Colón y se apostó por esa cosa que es el Festival de Cine de Sevilla que no llega a consolidarse y en el que se han gastado cantidades indecentes de dinero.

En Cádiz estamos de enhorabuena, porque en su provincia la música de cine no existe en directo. Nos conformamos con las bandas de música locales que, para amenizar eventos de todo tipo, interpretan partituras cinematográficas adaptadas y creemos que hemos escuchado lo que deberíamos escuchar. Por eso, es una magnífica oportunidad para disfrutar en pocos días de una de las mejores orquestas del país y un coro que conozco bien de los tiempos en los que formé parte de la organización del Festival Internacional de Música de Cine de Córdoba.

Las entradas pueden adquirirse a precios muy asequibles en este enlace:
http://www.rossevilla.es/actividades/1/238_XV_FESTIVAL_DE_MUSICA_ESPANOLA_DE_CADIZ.html

He grabado en Último Estreno en Ivoox un especial de 50 minutos que creo os gustará a pesar de ser extenso. No temáis, hay mucha música. En él hago un repaso por ocho bandas sonoras que podeis escuchar, junto con mis aportaciones, que resume la trayectoria de Fernando Velázquez. 

Compositor, violonchelista y director de orquesta, que no es poco, el autor vasco nacido en 1976 (tiene por tanto mucho aun por ofrecernos) es un "amante de las melodías", como él mismo se define. Ello no quiere decir que sus composiciones sean fáciles de escuchar, lo que venimos a llamar 'bonitas', y se queden en lo superficial. Ha tenido que enfrentarse, a lo largo de su  trayectoria, a películas en las que la música ha debido reflejar el suspense o el terror que revisten obras como 'El Orfanato' o 'La cumbre escarlata' con la ingenuidad infantil enmarcada en mundos fantásticos, caso de 'Un monstruo viene a verme' o 'El hombre esponja'. A veces, muchas, componiendo para filmes que mezclan ambos estilos y con una especial complicidad con J. A. Bayona, para el que trabaja con comodidad. 

Fernando Velázquez es, junto con Javier Navarrete y los consagrados Alberto Iglesias y Roque Baños, los compositores españoles de música de cine más en forma e interesantes de los últimos años, dando así el testigo a extraordinarios autores que han dejado un legado excepcional más ligado al estilo compositivo de la música cinematográfica europea que a la norteamericana, como Ángel Illarramendi, José Nieto o Carmelo Bernaola.

Semblanza de Fernando Velázquez a través de ocho de sus bandas sonoras

1. El orfanato (2007). Un vigoroso manejo de las cuerdas que nos impregna, en su melodía, de la tierna y melancólica infancia, con ribetes que recuerdan a 'Poltergeist' de Jerry Goldsmith y una dulcificación capital a través del uso de viento con flauta. Nominada al Goya en 2008.

2. Lo imposible (2012). Consagración de Velázquez gracias al impacto brutal en taquilla de un filme irregular. Música elegíaca, de una tristeza inconmensurable, en cuyos temas principales las cuerdas van tomando cuerpo con el chelo en predominios muy bien ubicados. Un adagio amargo, que refleja la tragedia y que en ocasiones te envuelve también en la paz y el respeto hacia la muerte. El piano pone la guinda a esta desolación musical tan extraordinariamente compuesta. Nominada al Goya en 2013.

3. Un monstruo viene a verme (2016). Una nueva vuelta de tuerca al estilo empleado en 'El Orfanato', incluso superado, en cuya música se refleja impecablemente la evolución interior del niño y su relación con el monstruo. Tras dos intentos fallidos, Velázquez gana el Goya a la mejor banda sonora con esta partitura en 2017.

4. Ocho apellidos vascos (2014). Emilio Martínez-Lázaro arrasa en taquilla con esta comedia fácil de temática recurrente que parece extraída más de una serie televisiva actual que de un guión cinematográfico con sustancia. El encuentro, desencuentro y encontronazos de ambos protagonistas con el telón de fondo de las culturas andaluza y vasca lo interpretó Velázquez con una música dinámica, cómica, muy distinta a su registro habitual anterior, liviana y sainetesca en la que no faltan instrumentos identificativos de las localizaciones y los paisajes. Algunos temas románticos son mejores.

5. Lope (2010). Quizá una de las más desconocidas del autor pero de mayor peso compositivo. Fernando Velázquez hizo una música muy española e histórica para un filme que narra los años de juventud de Lope de Vega. La película fue seleccionada para representar a España en los Oscar junto a 'Celda 211' y 'También la lluvia', que fue finalmente elegida con los resultados que ya imaginábamos desde antes de ser rechazada.

6. La cumbre escarlata (2015). La película para la que Velázquez trabajó por vez primera a las órdenes del director mexicano Guillermo del Toro. Una historia fantasmagórica, de amores imposibles y maldiciones familiares, apuntillada por una excepcional banda sonora -quizá la mejor del compositor- con acusado sentido dramático, deudora del romanticismo musical de Max Steiner o Franz Waxman. Incluye un interesante vals original en una de las secuencias más recordadas en el baile de la pareja protagonista a la luz de una vela ante la atónita mirada de los demás.

7. El hombre esponja (2002). Primeros compases de la fraternidad Velázquez-Bayona para un medio metraje de 20 minutos en el que un niño vive la fantasía de un superhéroe gracias a su 'jefe', un chaval veinteañero que lidera al grupo de pequeños que juegan al beisbol. Las imágenes de los partidos sirven para que el compositor escriba un tema que repite en cada lance con pretensiones de fanfarria recordatoria a Silvestri en 'Forrest Gump'.

8. El secreto de Marrowbone (2017). Mescolanza de la plasmación en música de los caracteres de los chicos que deciden sellar un pacto eterno para vivir juntos como familia huérfana con especial importancia musical al más pequeño, y la asfixiante realidad de lo que sucede en la misteriosa casa que habitan. Nuevo recordatorio del cine de ficción y suspense en el que Velázquez se mueve como pez en el agua. En el podcast os ofrezco declaraciones del compositor y del director en una sesión de grabación extraída de un video de la Universal.

Ya sabéis, todo esto con sus músicas lo podéis escuchar en este enlace:
http://www.ivoox.com/especial-sobre-musica-fernando-velazquez-audios-mp3_rf_21870781_1.html

'El Secreto de Marrowbone', solvencia por la borda

Era previsible que el guionista de 'El orfanato' se estrenara tras la cámara con una película deudora de ésta. A Sergio Sánchez le salió la jugada igual de exitosa que a J. Bayona, cada uno en su ámbito, de modo que ¿para qué cambiar de registro a la hora de realizar la ópera prima?

Tampoco había necesidad de cambiar aspectos técnicos que jugaban un papel crucial en la película del director de la sobrevalorada 'Lo imposible', de manera que Sánchez ha apostado, acertadamente, por contar con el compositor Fernando Velázquez para enfatizar su nueva vuelta de tuerca sobre la vida y la muerte jugando a truco o trato, escribiendo una obra brillante aun con mayores registros que 'El orfanato', que también podemos considerarla su predecesora. Con esta nueva obra, Velázquez demuestra su versátil capacidad para apostillar la psicología de cada momento, la placidez de las cálidas situaciones que viven los Marrowbone tras el inicio de sus nuevas vidas y la paulatina transgresión hacia el tormentoso regreso a sus vidas de un hecho anterior convertido en el leit motiv de un filme que va adquiriendo cotas de solvencia, de película a considerar en su género, aun lastrada por situaciones formalmente más apropiadas para subproductos de adolescentes -la pugna por la librera Allie como ejemplo- pero hábilmente revestida de gravedad gracias a un desarrollo en el que en realidad cabe destacar que es la casa de campo donde habitan los Marrowbone la protagonista de un filme cuyo creador sabe sobradamente que las casas encantadas por uno u otro motivo jamás pasarán de moda en la pantalla.

Estamos ante una película de complicada disección para no caer en los spoilers, pero sí podemos congratularnos del intento narrativo por encajar cada situación conforme avanza el metraje, hasta que el nivel de honestidad empleado con el espectador se desploma por resoluciones risibles y que demuestran la necesidad de que el guionista y director se tome en serio sus propias piruetas argumentales para próximas pruebas. No obstante, y a pesar de que estamos hablando de la importancia que posee la culminación de una historia que no es permisible darle el carpetazo de esta manera -ni a ella ni al 'habitante del ático'-, 'El secreto de Marrowbone' no deja de ser un drama de ínfulas gótico-victorianas con el transfondo actual de la violencia de género cuya gran coctelera es una mansión que encierra un misterio vivo. Demasiado manido aunque astutamente envuelto sin que nos importen niveles interpretativos ni la escasamente aprovechada figura de la matriarca, sino una atmósfera lograda y un apunte más al cine de atormentados pasados aderezados con el terror más convencional.

La banda sonora sale a la venta el 3 de noviembre. Afortunadamente, ya habrán tenido tiempo antes para verla o en el CD podrán leer, en el nombre de uno de los temas, uno de los mayores spoiler del cine de los últimos tiempos.

ESCUCHA LA CRÍTICA EN IVOOX:  http://www.ivoox.com/21806385

Gente de radio que la une Camarón al cabo de los años

Alfonso Rodríguez, biógrafo de Camarón, hoy en la mesa redonda del Congreso dedicada a los libros publicados sobre la figura de José Monje Cruz. Es una de las citas de esta cumbre que se está celebrando en San Fernando con la presencia de reconocidas figuras del arte flamenco y dos centenares de inscritos venidos de distintos puntos de España.
Hace 26 años, Alfonso y yo éramos compañeros de emisora. Lo que he disfrutado trabajando con Alfonso y lo que también me he reído con sus cosas forma parte de nuestra historia laboral y personal, compartida con los compañeros de entonces y algunos amigos para siempre. En la foto de hace dos décadas y media, esperando en la antigua estación en uno de nuestros viajes en tren para cubrir conciertos y otras odiseas radiofónicas. Quiso el destino (y Emilio Hurtado) que ambos cubriéramos juntos el fallecimiento de Camarón y la llegada del féretro a La Isla, su entierro... Lo más liviano que nos pasó es que nos dejamos las baterías de la UM en el coche de Rancapino. A ver quién lo encontraba para que nos lo abriera. Pero aquello era radio con casta, con coraje. Me alegro de que Alfonso haya triunfado en este mundo de la comunicación.
Gente que quieres, que te alegras de ver cuando el tiempo nos lo permite y que sabemos donde estamos.

 

El Museo Camarón, más cerca

El Centro de Interpretación dedicado a Camarón de La Isla será pronto una realidad. Hace 25 años que nos dejó el genio del cante y su legado se expondrá al mundo una vez que se construya este edificio. 

Ante la presencia de la presidenta de la Junta, Susana Díaz, la alcaldesa Patricia Cavada y el consejero de Cultura Miguel Ángel Vázquez han rubricado el convenio que permitirá licitar las obras.
En todo un cuarto de siglo, quizá este lunes sea la fecha más importante relacionada con Camarón, al menos la que abre las puertas a un nuevo futuro para La Isla y su relación con el inigualable artista.

Ahora queda esperar a que, pronto, este 16 de octubre quede relegado a un segundo lugar y ocupe su privilegiado puesto el día en el que la presidenta y la alcaldesa corten la cinta y abran las puertas de un museo que será un orgullo para San Fernando y Andalucía.

Más información:  http://www.europapress.es/esandalucia/cadiz/noticia-susana-diaz-preside-firma-protocolo-creacion-centro-interpretacion-camaron-isla-20171016131930.html

1993-2017: Guillermo del Toro, 24 años después en Sitges

La primera visita del director mexicano Guillermo del Toro ('El espinazo del diablo', 'Hellboy', 'El laberinto del fauno') al Festival de Sitges fue en 1993, donde presentó su largometraje 'Cronos'. Fue también el primer año que cubrí personalmente el festival, emitiendo desde allí el programa. ¿Qué dijo Guillermo del Toro entonces, sobre qué habló en su primera rueda de prensa en Sitges hace ya más de dos décadas?

Si quieres saberlo, escucha en Ivoox este especial sobre Guillermo del Toro: http://www.ivoox.com/21355141

Blade Runner 2049: "Celdillas...Una alta fuente blanca..."

Jamás fui un entusiasta de Blade Runner. Lo repetía una y otra vez en la radio y lo escribía cuando, al amparo de aquel mamotrético y difuso discurso fílmico que el propio Ridley Scott trataba de arrinconar entre sus recuerdos desgraciadamente reales para él, surgían películas con ínfulas de grandilocuencia estéticamente plagadas de humo azul. Fui declarado anatema por quienes sobrevaloraron la secuencia de Rutger Hauer cuando, inventándose el panegírico aquel entre la lluvia y anuncios de neón, lanzó el famoso discurso sobre lo que él había llegado a ver no sé dónde, en la gran puñeta. Con una astuta y engañosa manera de apabullarnos estéticamente, el director de la magistral 'Alien' fue redimido al tiempo de estrenar el filme por un montón de pedantes que se unieron con los años a quienes desde el inicio cayeron en la trampa de un producto visual que hace casi cuarenta años puso los cimientos del engolamiento videográfico y no había manera de lograr que encajaran todas sus piezas, primordialmente las narrativas, porque, sencillamente, hacía aguas en la forma de contarlo. Para cuando convencieron a Scott de que diera su bendición al estreno con el final alternativo preferido por el director, aquello no tenía remedio. ¿Qué obras maestras han necesitado otro desenlace para buscar esta condición de la que su propio creador la despojó nada más nacer?

El lector puede por tanto pensar que no he mostrado el más mínimo interés por su secuela - o mejor dicho, prolongación- puesto que el filme original de que nace ahora este extraordinario viaje iniciático del agente K no se encuentra entre mis obras predilectas. Pero precisamente por ello estaba ávido por visionar un producto al que lo mejor que le ha podido suceder es que no lo haya dirigido Scott, cuyas funciones de productor ejecutivo no parecen haber influido en Villeneuve a la hora de rodarlo (hizo bien en reclamar libertad creativa para hacerla), en el que el director dispone compositiva y milimétricamente cada personaje y objeto que aparece en cuadro, sin que el espectador se pierda visualmente en complejas e innecesarias piruetas. En su ámbito estético, Blade Runner 2049 está hilvanada por fotogramas con los que Villeneuve rinde un extraordinario homenaje a la composición fotográfica. El filme se convierte por ello en una impecable sucesión de elementos con sentido, con lo que la perfección dispositiva supone aun asumiendo el riesgo de un aparente y gélido academicismo. Vitolas que visten, ahora sí, 35 años después, una elegíaca historia extraordinariamente urdida, una amarga búsqueda personal del yo y lo que es el personaje con todo lo que el espectador se identifica porque reúne los ingredientes necesarios para hacerlo: al fin y al cabo, todos queremos saber de dónde procedemos y a todos se nos hace irresistible meter el ocico en culebrones donde se pierden hijos y padres.

Sobrada de minutos como su principal defecto, Blade Runner 2049 es un sólido viaje hacia el autoconocimiento, un 'ultimate trip' kubrickiano en el que se observa el profundo respeto hacia su predecesora, con una acertada banda sonora con la que Hans Zimmer ha decidido prolongar más allá el trabajo de Vangelis con admirable postración hacia la recordada partitura del maestro griego, y con los elementos suficientes como para que los tiempos sobrantes se olviden con secuencias que pasarán a la memoria de la cinematografía contemporánea más exquisita, algunas de ellas en las que la participación de tres personajes es bocado cardenalicio para los amantes del bien cine como algunas preguntas retóricas y reflexiones que no le van a la zaga a algunos de los soliloquios del filme primigenio.

ESCUCHA Y DESCÁRGATE MI CRÍTICA EN IVOOX: http://www.ivoox.com/blade-runner-2049-critica-audios-mp3_rf_21330632_1.html

El Rey no dijo nada

El Rey no dijo nada. Quiero decir, dijo muchas cosas. Pero no dijo nada. La Constitución, a la que recurren constantemente quienes nos han llevado al abismo con su obcecada postura monolítica evitando una definitiva configuración política territorial de España, le confiere al monarca un papel arbitral que ha rehusado practicarlo. Así se ha comprobado en su comparecencia televisiva.

Manuel Jiménez de Parga realizó un preciso análisis en Diario 16 hace ahora 36 años, apenas tres meses después del intento del golpe de estado, en el que exponía las funciones arbitrales y moderadoras "que alcanzan el suplir vacíos legales en situaciones de emergencia como el 23-F". El que fuera presidente del Tribunal Constitucional afirmaba, en su artículo 'El arbitraje constitucional del Rey' (1), que "reinar es, justamente, arbitrar y moderar el funcionamiento regular de las instituciones". Entiéndase que entre éstas no sólo cabe la del Estado, sino también las de los poderes autonómicos. El gobierno catalán es en derecho igual de legítimo que el español y, dado que, Jiménez de Parga habla de "la difícil y trascendental obligación del Rey al ser concebido constitucionalmente como árbitro (...) entre las ventajas de la Monarquía sobre la República, la posibilidad de contar en la primera con un poder arbitral y moderador", cabe preguntarse en qué medida Felipe VI ha optado por cumplir con el artículo 56 de la Constitución (2) o ha sido el tapado de un presidente del gobierno culpable de este desaguisado.

El Rey no dijo nada porque no resulta difícil imaginar que lo más probable es que no haya mantenido encuentro alguno con Puigdemont. Así, sin complejos, sin conciencia de clase ni feudo. Felipe VI también iría tarde, pero el abismo al que estamos abocados bien merece una contundente decisión en cualquier minuto del cronómetro cuya cuenta atrás conduce inexorablemente a la fragmentación del Estado. Sería la contundencia del acuerdo tras la palabra, no de la violencia que produce la irracionalidad del odio y el extremismo, la cuaderna maestra para comenzar a construir la España del futuro en la que cabemos todos, incluido el monarca silente. 

Estamos en una encrucijada en la que sería un error considerar que el Rey no tiene que escuchar a Puigdemont, entre otras cosas porque, filias y fobias aparte, es el presidente de una de las comunidades autónomas españolas y le asiste el derecho a ser oído en la misma medida que al Rey le obliga la Carta Magna a escucharlo. Pero no lo ha hecho. Por eso el Rey no dijo nada. Dijo muchas cosas, pero no dijo nada.

La incomunicación conduce a las personas a proyectar sus propias mentiras, mantenerlas y hacerlas crecer según convengan. Cuando se produce en los representantes del pueblo, con ella están llevando al abismo a los millones de ciudadanos que han confiado en la presupuesta capacidad de sus líderes para solventar situaciones que sólo parece que vamos a calibrar de verdad cuando el ejército pise suelo catalán y los medios nos ofrezcan unas imágenes que ya no tengan remedio ni justificación alguna. Ante la manifiesta incapacidad comunicativa del Gobierno español, son necesarias acciones urgentes. Digo urgentes como digo de días, de horas, o ya no habrá solución. Correspondía al presidente Rajoy comunicar y dialogar. En primer lugar, con el gobierno catalán, para evitar el esperpento de un referéndum que es inadmisible para los propios catalanes, y adoptar cuantas decisiones fueran posibles para solventar de una vez por todas el problema de la territorialidad definitoria española, el que ha provocado aluminosis en los cimientos del estado y nos ha acompañado desde siempre, el que engendró a ETA en los pueblos intrínsecos de Euskadi donde ahora pensarán que aquella lucha era de raza y la de los catalanes es de burgueses derechistas. ¿Y ahora, qué? 

En segundo lugar había que agotar la vía con la oposición, con los socialistas, con Rivera, alcanzar un acuerdo de altura de miras. Como aquellas que tuvieron dirigentes tan opuestos pero conscientes de la trascendencia del momento en la transición. Pero Rajoy no es Adolfo Suárez ni por asomo. Ordenar dar palos es producto de la ceguera política y la imposibilidad de gobernar este país que se rompe y no puede esperar ni un minuto más a un gran pacto de estado en el que prime el interés nacional y el objetivo por la vía de urgencia sea conformar la mayoría suficiente en el Parlamento para destituir por los cauces democráticos contemplados en la ley a través de una moción de censura, a un gobierno incapaz al que le ha superado la situación y al que le dio pavor en su momento afrontar su prioritaria obligación de configurar un nuevo modelo de estado en el que cabemos todos. Incluido un Rey que, en una oportunidad histórica perdida, prefirió también ser monolítico y no decir nada.

(1) https://linz.march.es/Documento.asp?Reg=r-4691
(2)  http://www.congreso.es/consti/constitucion/indice/titulos/articulos.jsp?ini=56&fin=65&tipo=2

'Madre!', de Aronofsky. La salvaje parábola de la ambición

Sentarse en la butaca. Comenzar a recibir el mensaje a través del desarrollo de imágenes, de ideas ¿Ideas? La piedra angular del cine es contar historias a través de las ideas: las que cada cineasta utiliza particularmente para construir e hilvanar el metraje, técnica y guionísticamente. Las ideas estilísticas de cada autor como vehículo necesario para la idea formal, profunda. 'La idea', en definitiva.

Hace mucho tiempo que sentarse en una butaca se convierte en un ejercicio de contemplación de pulcritudes formales transformadas en el envoltorio de lo inane. Y entonces el axioma del cine salta por los aires, pierde su sentido, y no sólo no detectamos que no existe más allá de una estética vacía, sino que además nos invade la certera sensación de que no va a ocurrir nada en los minutos que restan hasta los créditos finales. Estética que conduce a la estática, que de eso saben Nolan y compañía.

Por eso Aronofsky llega para despertarnos del sillon abofeteándonos el rostro sin contemplaciones y golpeándonos el alma interior hasta agotarla, yo diría que destrozarla exprofeso, ante una parábola bíblica más allá de lo simplemente ético, con un filme que, para empezar por lo esencial -aun pecando para algunos de demagogia en mis palabras- nos salva de esa frustración continuada que produce la carencia de mensaje en la mayoría del cine contemporáneo.

Es como un Hitchcock asalvajado. Sabemos que algo va a suceder a cada segundo, a cada plano de un gigante puzzle de incierto encaje, desde que la cámara nos magnetiza con el poder de la expresión de Jennifer Lawrence. No es el surrealismo aparente lo que nos inquieta. Ni siquiera nos enerva la indecisión de la protagonista ante lo que va ocurriendo como sucedería visionando cualquier otra película. Es la atmósfera argumental, más que visual, que crea el cineasta, que no da lugar a 'perder el tiempo' con lógicas en la mente del espectador ni alternativas a la atónita asfixia que padecemos, que nos envuelve sin posibilidad de darle un giro al inminente apocalipsis que se avecina.  

Brotándonos en la foto-fija de nuestra retina 'El ángel exterminador', 'El resplandor', el cine comercial de casas vivientes, como si surgiera el anticristo de von Trier o jugáramos divertidamente con Haneke, la principal virtud de Aronofsky no es provocar: es lograr que pasen cosas y el espectador desconozca el por qué, antes y durante, hasta el punto de provocar la desazón más desorientativa de las últimas cosechas cinematográficas. Pasan cosas y nos desalientan. Y eso, entre las paredes de una casa aislada y con una pareja como protagonista, la abundancia de primeros planos y sin una sola nota musical, tiene un extraordinario mérito que demuestra el talento de quien nos ofrece, de manera admirable, simple y llanamente una parábola sobre la ambición humana, el egoísmo y hasta donde es capaz de llegar el ser humano para conseguir un mundo plagado de seres arrodillados e irredentos necesitados de la bendición, el perdón y la palabra hecha escritura. Capaz incluso de sacrificar a un hijo del que comen y beben su sangre ante una madre desesperada que no entiende lo que está sucediendo, virgen paradójica y rota en cartelera. ¿Les suena la historia?

ESCUCHA MI CRÍTICA EN IVOOX:  http://www.ivoox.com/21246477