Quema de libros

En 1966, Francois Truffaut dirigió 'Fahrenheit 451', aquella película en la que los bomberos, en lugar de apagar fuegos, quemaban libros. Siempre viene a la memoria el nazi Goebbels bramando los nombres de la treintena de escritores que, a juicio de aquellos tarados totalitaristas, deberían dejar de existir mientras los libros de Einstein, Kafka o Hemingway ardían en una gran pira en plaza pública.

Quien crea que esa imagen es fruto de la historia olvidada, ya puede ponerse al día. En Ontario, Canadá, la comisión escolar de Providence, que gestiona 30 planteles católicos y de lengua francesa, ha destruido hace varios días 4.700 libros infantiles que consideraban "ofensivos" hacia los indígenas. Las obras han sido quemadas o enviadas a reciclaje con el argumento de acabar con los estereotipos negativos hacia los grupos autóctonos y favorecer la reconciliación con ellos. Tintín o Astérix han sido pasto de las llamas, al calificarse los contenidos de estos libros de "desactualizados e inapropiados", ya que, según alegan, están repletos de estereotipos negativos contra los indígenas. Es aparecer las palabras 'indio' o 'esquimal' y las publicaciones arden en el fuego eterno.

Ya queda menos para que se quemen películas, y lo peor de todo, que en esta nueva cruzada 'del otro extremo', busquen los master originales para evitar copias. Como la Metro hizo con la inglesa 'Luz de gas' para que en la historia del cine solo apareciera la americana 'Luz que agoniza' con Ingrid Bergman.

El ser humano, cada vez menos acomplejado por sus taras del pasado haciéndolas presente, destruye películas y libros. En Canadá lo lleva haciendo desde 2019, hace más de dos años, ante la pasividad global. Ya lo decía el poeta H. Heine: "Se empieza quemando libros y se acaba quemando personas".

Anne Hidalgo camina hacia la Presidencia de Francia

Anne Hidalgo acaba de anunciar su candidatura a la Presidencia de Francia. Su incondicional apoyo a Pedro Sánchez cuando el PSOE estaba ocupado en elegir a un líder le valió las antipatías de los sectores susanistas, incluidos los de su ciudad natal. Hay quien hoy ya está teniendo otro disgusto (y van...) y cuando sea elegida presidenta le dará el parraque.

Los parisinos tienen una gran alcaldesa.

El documental sobre Ennio Morricone en Venecia

No conozco a Luis Martínez, enviado del periódico El Mundo al Festival de Venecia. Su crónica del documental que Giuseppe Tornatore ha presentado sobre Ennio Morricone y del que ya hablamos hace varios meses es muy brillante. Conforta encontrar gente que escriba así, con calidad y 'conociendo el paño' que trata, que esa es otra en esto de informar sobre el cine y lo que lo rodea.

Aunque el titular pueda parecer un enganche fácil para el espectador (Morricone "odiando la melodía"), tendremos que esperar en el contexto en el que el maestro afirma tal aseveración en el documental. De todas maneras, ya me entusiasma esta idea porque puede ser un indicio de la objetividad con la que Tornatore puede haber realizado su trabajo, algo necesario para remover el pensamiento único existente sobre Morricone.

"Ennio grita delante de la cámara como lo haría un coyote afónico y en realidad da la clave del tema principal de 'El bueno, el feo y el malo'. Ennio niega y hasta dice odiar la melodía y no hay nadie que no sea capaz de tararear un puñado de sus melodías más conocidas", explica Luis Martínez.

Estor convencido de que al propio Morricone le ocurría como a mí: odia la melodía machacada una y otra vez por todos, redundar en silbar lo mismo sin ver más allá, aguantar gente que insiste en todos lados en meternos diariamente el soniquete de 'La misión' o 'Cinema Paradiso' como si solo existiera eso como música de cine, del maestro o del mundo. En sus palabras quizá haya connotaciones técnicas musicales -conceptos melódico o armónico, composiciones de cara al oído versus necesidades narrativas visuales ajenas a la bonhomía auditiva-, pero también mucho de hastío por crear monstruos adorados a cada segundo.

Lo comprobaremos cuando el documental llegue a las pantallas. Muero de ganas por verlo ya.

Enlace a la crónica de El Mundo: https://www.elmundo.es/cultura/cine/2021/09/10/613a23b421efa0e6578b45c1.html

Abrir un teatro para una rueda de prensa

La alcaldesa de San Fernando ha presentado hoy la programación con los actos de la conmemoración del próximo 24 de Septiembre, una fiesta local relacionada con la libertad y todo eso que ya se conoce, como también se sabe que quien viene a soltar el discurso conmemorativo es el socialista Abel Caballero, el alcalde que pone las luces de Navidad mientras la gente pasea en bañador por las calles de Vigo en un gran ejemplo de sostenibilidad energética.

Decía que la caudilla isleña ha presentado el 24-S. Lo ha hecho veinte días antes de que el calendario alcance la señalada fecha. Pero a lo que vamos, que es más grave y sonrojante: tener cerrado un teatro -icónico además- desde hace casi un año y abrirlo hoy para dar una rueda de prensa sobre su escenario es de una desvergüenza absoluta. No hace falta explicar los motivos.

Cavada tiene suerte. En San Fernando ha logrado adormecer la cultura y la gente se ha vuelto completamente indolente respecto a ella. Hay más preocupación sobre cuándo vamos a sacar procesiones o ilusionarnos con el "empleo de calidad" (¡juas!) en los establecimientos de comida rápida que en un tiempo indeterminado veremos sobre el antiguo suelo de Janer.

Pobre isla, tan congénitamente maldita...

VERANO AZUL, visto por más de tres millones de espectadores acumulados en agosto de 2021

La décimo tercera reposición de #veranoazul que acaba de finalizar, coincidente con el inminente 40 aniversario de la primera emisión de la serie (1981), ha sido vista por 3.068.000 espectadores acumulados. En #UltimoEstreno hemos sumado los datos oficiales de cada capítulo, lo que supone además una media de 161.475 espectadores por cada día de emisión en este recién finalizado agosto. El capítulo más visto ha sido 'Algo se muere en el alma', con 222.000 espectadores, y el menos visionado 'Pancho Panza' con 135.000 espectadores. Respecto a la reposición de 2019, la serie pierde 4,2 millones de espectadores, ya que por entonces alcanzó los 7,3 millones de seguidores diarios. ¿Pierde fuelle la serie? ¿Gana adeptos la opción 'A la carta' de RTVE y ha restado espectadores a la emisión en directo? ¿Influye el horario?

De todo esto hablamos profundamente en un nuevo vídeorreportaje en el canal #UltimoEstreno, en el que te ofrecemos todos los detalles, a través de gráficas, sobre el seguimiento de cada capítulo, el share de audiencia en TVE-2, global, la comparativa con anteriores reposiciones, etc.

Datos que sirven para que los seguidores de #veranoazul se formen sus opiniones sobre el impacto de una serie que, suceda lo que suceda, da que hablar entre millones de personas siempre que se vuelve a emitir.

El videorreportaje y texto también lo tienes disponible en la web www.regresoaveranoazul.com

Ha muerto Mikis Theodorakis

Ha muerto Mikis Theodorakis. Cuando veía aquellas películas reivindicativas de cineastas como Costa Gavras me llamaban la atención sus bandas sonoras tan involucradas en la narración. No era de extrañar ante la comprometida trayectoria del compositor que, desgraciadamente, ha quedado para muchos como el músico que hizo 'Zorba el Griego', nos ponemos a dar saltitos al recordarla y punto final.

Me quedo con 'Z'. Poco cine se hace así ahora y menos aun con bandas sonoras tan identificadas con los compromisos políticos y sociales que tan necesario es mostrar hoy día en pantalla.

Dos mil suscriptores del canal #UltimoEstreno en Youtube. ¡Gracias!

Ayer lunes llegábamos a los DOS MIL suscriptores del canal #UltimoEstreno en Youtube. Avanzar de esta manera en esta plataforma en poco más de par de años, poco a poco, con casi 300 videocríticas o videorreportajes currados y sin pagarle pasta para que te promocione por ahí es, os lo aseguro, francamente difícil. Ya hoy martes somos 2.012, así que estoy muy feliz de este progreso. Lo más alentador es que los datos estadísticos de Youtube reflejan que más del 80% de los ya millones de visionados acumulados en este tiempo no están suscritos al canal, por lo que es muy emocionante ver que a los dos mil se suman muchísimos más que ven los vídeos de #UltimoEstreno.

De tantas visualizaciones, más de 320.000 corresponden a los vídeos dedicados a la serie televisiva #veranoazul, apoyados por la web www.regresoaveranoazul.com que creé en verano de 2019. Quiero agradeceros efusivamente tanto respaldo, pero prefiero contároslo en este vídeo muy especial y con algunos datos curiosos. Entre esas cifras que te revela la plataforma se encuentran algunas como que el 65% de los espectadores de #UltimoEstreno son hombres y los seguidores más fieles son los que tienen una edad entre los 45 y 54 años. Es decir, que tengo una deuda que arreglar con las mujeres y con los jóvenes ;-)

Ha muerto Edward Asner-Lou Grant

Ha muerto Edward Asner, el actor que encarnó a Lou Grant, uno de los personajes más icónicos de la televisión a principios de los años 80. Fue también quien puso la voz al cascarrabias de la película 'Up', pero como aquí vemos las películas dobladas, pues eso no cuenta en España y seguimos siendo felices en nuestra burrez.

Asner-Lou Grant inspiró a muchos jóvenes de entonces a ser periodistas. Los entresijos de una redacción, los temas de toda índole que los redactores tenían que tratar, las presiones... Todo ello conformaba una imagen idílica del papel de los profesionales de la información. Han pasado 45 años desde que la serie se estrenó y el mundo del periodismo ha cambiado radicalmente. La pregunta del millón es si alguien con suficientes huevos sería capaz de hacer una serie que cuente a la gente la realidad de los medios de comunicación en los últimos veinte años, desde la debacle de la prensa escrita, los políticos manteniendo monopolios y callando bocas con dinero público, las redacciones vacías, las miles de erratas diarias en papel -el poco que se imprime-, en las emisoras de radio, en las televisiones, o el trepismo entre los periodistas, más preocupados por el asociacionismo progre que por combatir lo que se veía venir hace ya años.

Falta valentía para producir eso y es más fácil y cobarde hacer series con personajes estereotipados que recuerdan a José María García o De la Morena rodeado de idiotas haciendo gracia.

'Annette', la ópera contemporánea del año

A lo largo de todo un año ves y grabas las videocríticas de decenas, cientos de películas, para el canal #UltimoEstreno. A veces ni siquiera lo haces y no porque lo que hayas visto sea malo, sino porque te aporta tan poca sustancia que no merece la pena. Hay cosas entretenidas que se te olvidan mañana, ¿qué vas a contar de ellas? ¿Que puedes comer pipas mientras las ves?

Así que te mueves entre lo intrascendente y lo insustancial. Pero de repente aparece la película del año. Llena de imperfecciones, pero absorbente. Te cuenta algo forzado, pero de una manera arrebatadora. Te cuesta entrar porque no sabes por donde saldrá, pero terminas por quedar atrapado de tal manera que ya no puedes salir. Ni quieres, por supuesto.

'Annette' es esa película. La venden como un musical, pero no. Es una ópera contemporánea con una historia de degradación humana y una banda sonora que, a diferencia de los musicales, no se hilvana con diálogos, sino que está narrada totalmente con canciones y orquesta.

El 'lenfant' terrible francés Leos Carax ha filtrado sus deshilaches anteriores como 'Holy Motors' para perfeccionar sus delirios, que van recordando conceptual y visualmente en este caso a él mismo, pero también a disparidades como el Drácula de Coppola o The Wall de Pink Floyd.

Annette, ser no humano y pinochado, se convierte en el símbolo que vivirá el desenlace de sus padres y se transformará, con su herencia materna, en la condena de Henry, un imponente Adam Driver que, cogiendo el muñeco de peluche de su hija mientras la ve cantar sobrevolando la orquesta o aguardando ante las masas cinco palabras salidas de la pequeña que lo condenarán, no le va a la zaga a una excelente Marion Cotillard.

'Annette' ha conseguido pincharme más allá de sensaciones, estoy manando sangre a borbotones y creo que tardaré en salir de este estado herido y de obnubilación permanente en el que me encuentro y que me obliga como un enfermo a recordar una y otra vez la secuencia de este simbólico ser cantando una enormísima aria de los Sparks y a tratar de no tomarme en serio la mayor elegía irracional parida por el cine en estos últimos años. Al fin y al cabo, la película la abren y cierran todos sus creadores alentándonos a comenzar el espectáculo. El de la vida y el del cine maestro.

'Annette' está ahora en cines y a partir de noviembre en Filmin.

'Nine Perfect Strangers'

Vuelve la exitosa fórmula de personajes encerrados en un lugar manipulados por un ente o persona mientras el espectador se identifica con unos u otros y aguarda acontecimientos provocados por situaciones que, con poco que se le dé dinamismo al metraje, siempre mantiene en tensión a quien sentado en la butaca se introduce en historias así. Lo hemos visto recientemente en el cine en ‘Tiempo’ de M. Night Shyalaman y ahora lo vemos en la plataforma Amazon Prime Video con una serie cuyos tres primeros capítulos ya están disponibles y que han servido para ponernos en situación.

La pregunta del millón es si ‘Nine Perfect Strangers’ aguanta nada menos que cinco capítulos más que quedan –a uno por semana-, de casi una hora de duración cada uno, por mucho que Nicole Kidman brille en el papel principal y ello pueda contribuir a sustentar una serie que podría haber sido una película de dos horas y hubiera quedado muy potable.

Una escritora menopáusica abocada al fracaso, un antiguo deportista frustrado por una lesión, un receloso investigador gay, una pareja que perdió a su hijo en un suicidio, dos jóvenes que no funcionan entre ellos y ella es una cretina adicta a las redes sociales…conforman los nueve seleccionados para ‘ser sanados’ por Masha. Toda la sociedad actual, reflejada en estos personajes que también sufren un trasfondo vampírico que conoceremos en próximos capítulos si es que no desconectamos antes.

Cuidada dirección, Marco Beltrami cumple con la banda sonora amén de un ramillete de canciones muy bien escogidas y alguna que otra incongruencia a la hora de saber cómo los personajes han conocido Tranquillum si no aparece en internet pero otros personajes dicen que lo encontraron en Google (¿¿??).

Os dejo la videocrítica de la serie ‘Nine Perfect Strangers’, estrenada el 20 de agosto. Una de las sensaciones de la temporada y sin que sirva de precedente, que ya sabéis que en #UltimoEstreno no hablamos de series.

Rambo y Afganistán

Se ha puesto la cosa como para revisionar 'Rambo III', en la que además de comprobar los amigos que los norteamericanos eran de los talibanes, podemos tomar nota de la advertencia de que con Afganistán no hay quien pueda.

Por cierto, momento también para, de nuevo, desmentir la leyenda urbana de que la dedicatoria final original de la película era para los "valientes combatientes muyahidines de Afganistán" y después se cambió para hacerle ojitos a todos los afganos. Siempre apareció en pantalla "The film is dedicated to the gallant people of Afghanistan". ¡¡Ya hubiera sido la leche leer ahora esa dedicatoria!

Vergüenza con colorines

A la izquierda de la imagen, el mamotreto que sobre la Bahía de Cádiz colocaron en 2015 y que costó más de 510 millones de euros, con un mantenimiento anual que supera los tres millones. A la derecha, la foto del nudo de Tres Caminos hoy, 15 de agosto, al mediodía. Hacer realidad el proyecto para solventar esta vergüenza que afecta al corazón de los municipios gaditanos de la Bahía está presupuestado en 88 millones de euros, dinero que los gobiernos -el de ahora, el de antes, el de más allá en el tiempo- no han puesto encima de la mesa a pesar de que la situación se repita desde hace más de veinte años.

Claro que esa cosa gigante de la izquierda tiene unas hechuras muy modernas, no sé qué records de tamaño e iba a suponer la panacea laboral para Cádiz (capital, claro), y el millón de memos que somos en la Bahía aplaudimos una infraestructura prescindible cada vez que se le pone los colores amarillo y azul o los que se identifican con algunas de las muchas enfermedades que, entre otras cosas, padecemos por fomentar el transporte privado y malvivir rodeado de alquitrán, cemento y polución.

En los años noventa, el Plan Intermodal de Transportes de la Bahía de Cádiz (PIT), decía que había que desdoblar la vía del tren para lograr el llamado metro de superficie, abogando por una sostenibilidad que a los políticos se les llena la boca de decir para vender sus mamarrachadas.

De modo que quienes íbais en esos coches de la foto de la derecha y quienes movéis el rabo por el espanto de la imagen de la izquierda tenéis lo que queríais. Total, se le encienden lucecitas esta noche y desde San Fernando, Puerto Real, Chiclana, etc. sonreímos como si estuviéramos en Manhattan, pero haciendo el cateto.

El pellizco de James Horner

Cuando algo que vemos o escuchamos -en general, que sentimos- nos toca la fibra sensible desde el primer momento en que somos partícipes de ello solemos decir coloquialmente: "Esto tiene pellizco".

En este sentido, y en la música de cine de las últimas cuatro décadas, existió un compositor cuyas bandas sonoras alteraban nuestra sensibilidad por razones muy marcadas. A la calidad musical de su obra se unía su admirable capacidad para convertir, cada una de sus composiciones, en protagonistas fundamentales de las películas, siendo mucho más que meros acompañamientos para acentuar la imagen. Es decir, no hablamos de 'elementos técnicos' que apostillaban la imagen como accesorios para poner la guinda a estas producciones, sino de creaciones inseparables de éstas, de 'narraciones musicales' absolutas, de guiones que contaban a través de la música las historias que nos muestran en el cine.

Creó 'su' música, su sello, independientemente de los débitos que todo compositor tenga con sus orígenes que no son deudas sino espejos en los que crecer para evolucionar y, con esas obras, hacer aun más grande la música de cine. Componía, orquestaba, dirigía a los músicos, arreglaba, con todo lo que ello supone para llegar a ser un músico completo. Capaz de escribir 'Aliens' el mismo año que 'El nombre de la rosa' o compaginar durante varios meses la gestación de la epopéyica 'Tiempos de gloria' con el drama doméstivo 'Mi padre'. De inmortalizar para el cine con su música películas débiles como 'Leyendas de pasión' o de escribir inconmensurables canciones tan dispares como las creadas para 'El busca del valle encantado' o 'Titanic'. Se habla hasta la saciedad del autoplagio -para mí un sello inconfundible-, pero no se defiende la camaleónica capacidad demostrada a la hora de escribir 'Fievel va al Oste' -score y canciones- o 'La máscara del zorro' algunos años después, por citar varios ejemplos.

Hoy, 14 de agosto, James Horner hubiera cumplido 68 años si no hubiera sido por aquel fatídico accidente de avioneta que acabó con su vida el 22 de junio de 2015. El pellizco de su obra que tantas veces nos había tocado la fibra sensible se transformó aquella mañana del recién inaugurado verano en un punzante pinchazo de dolor del que, en realidad, no nos hemos recuperado jamás, porque cada vez que se estrenan determinadas películas a lo largo de los años, nos preguntamos en nuestro interior qué hubiera compuesto James Horner para ella. Y ese otro pellizco, como una eterna condena, también nos acompañará toda nuestra vida junto con el de su legado musical.

El cartel de 'Madres paralelas', la nueva película de Pedro Almodóvar

Ahí está, el cartel de la polémica innecesaria. Sería cojonudo exponer opiniones sobre si el cartel cumple su función de anunciador y de atractivo para potenciales espectadores. Juzgarlo bajo la mirada de la moralidad es una discusión que me aburre soberanamente. Si digo que no me gusta, ¿se me meterá en el saco de los ofendiditos retrógrados? ¿No puede ser que no me agrade como vehículo para convencerme de ir a ver una película o preludio gráfico de lo que vamos a ver?

No sé si me explico. Por si acaso, os hablo del tema en un nuevo vídeo 'en corto y de paso' en el canal #UltimoEstreno de Youtube esperando vuestras opiniones.

Estreno del documental de Tornatore sobre Ennio Morricone en el Festival de Venecia

"La música es todo y cualquier sonido que producimos que no está en el cine, es parte de la realidad que vemos (...)

Mahler es el único músico, junto con Stravinsky, que ha influido en mi música para el cine (...)

Siempre animé a Sergio (Leone) en sus películas posteriores a olvidar esa melodía del silbido (...) Él insistió y tuve que cumplir.

Para su tercer western inventé este tema que me recordó la llamada del coyote. Hay drama y comedia y tres diferentes instrumentos asociados a cada uno de los tres personajes: el bueno, el feo y el malo (...)

El director debe tener fe en el compositor (...)

Si me preguntan cuál es la música más importante que he compuesto, que escoja un título, yo jamás contesto (...)

Trato de escribir la música mucho antes de que se haga la película. Tener una idea desde el principio significa que ya está adherida a la película, se adhiere a las imágenes. Hay una conexión como el amor a primera vista (...)

El diálogo no es el único elemento que inspira la banda sonora, sino también todos los demás elementos de la imagen. Una película es lo que vemos o escuchamos, pero la música representa lo no dicho y lo invisible (...)

Hoy soy, en cierto modo, igual que hace muchos años, pero también completamente diferente".

El Festival de Cine de Venecia (1 al 11 de septiembre) anuncia que el documental realizado por el director Giuseppe Tornatore dedicado a Ennio Morricone en 2019 se estrenará fuera de concurso en esos días.

¡¡Tenéis que ver este vídeo del canal #UltimoEstreno en el que analizamos el teaser que anuncia el documental y poneos de tono en el móvil el 'grito del coyote' de Morricone como yo ha he hecho!!

Lo vuelven a hacer

Ayer lo volvieron a hacer. Nada más aparecer los títulos de crédito cuando finalizaba el capítulo 1 de #veranoazul en su reposición, corte y al siguiente programa. Como lo hacen con otras series, con películas. El ente público, faltando el respeto a los planteles técnicos y artísticos de las producciones audiovisuales.

Así que trasladé la queja al Defensor del Espectador. Hoy ya he recibido respuesta por adelantado, que reproduzco en una de las imágenes siguientes. Resulta que los títulos de crédito "no son del gusto de la mayoría de la audiencia".

Me resulta sorprendente que respetar una producción audiovisual hasta el final incluyendo la información artística y técnica se base en criterios "de gusto". Francamente, no creo que sea un asunto a gusto ni del consumidor ni de los responsables televisivos, sino de mutilación de una obra, de supresión de datos a los espectadores y de especial gravedad en un ente que pagamos todos de nuestro bolsillo.

Alucinado es poco al leer semejante burrada como respuesta. Lástima que no tengamos más Federicos Fellinis, que cuando vio que sus películas se emitían en la RAI con publicidad llamó montando un cirio al director de la emisora pública por manipular sus obras y el asunto llegó hasta el Parlamento italiano con tribunales incluidos. Aquí nos importa una mierda la banda sonora de Carmelo Bernaola, quiénes hicieron posible que Verano Azul fuera una realidad y así con todo lo que vemos.

'Tiempo' ('Old'), de M. Night Shyamalan

Es importante que alguien cercano a Shyamalan le diga que sus ideas son casi siempre buenas pero que debe contar con un guionista de garantías que las desarrolle en el papel antes de que el cineasta se dedique a dirigir y a rodar, que es algo con lo que se defiende. La participación de un buen guionista evitaría agujeros imposibles, vacíos temporales y situaciones ridículas que suelen ser, desgraciadamente, marca de la casa de Shyamalan por empeñarse en acaparar y especialmente por creerse heredero de Stephen King.

'Tiempo', que es el título que casi con seguridad se le ha impuesto en España a 'Old' por puro correctismo político, utiliza en realidad la vieja fórmula del grupo heterogéneo sometido a un elemento desconocido que amenaza a sus miembros y los altera, en este caso durante unas vacaciones estivales. Cual Viernes 13 dignificado, cada uno de los personajes va a sufrir una situación inexplicable a conveniencia del director de la película que, como en 'El sexto sentido' o 'El protegido' (su mejor obra), vuelve a tener al público pegado al sillón del cine (se estrena en cines, no en plataformas). Lo peor: el vergonzoso y puritano final al más sonrojante estilo de los americanos, que son muy valientes para sacar las vergüenzas a sus cloacas políticas y muy cobardes para denostar los 'happy end' inadecuados. Aquí además huele a pañal cagado ante las farmacéuticas y los laboratorios, ya convertidos en uno de los poderes más intocables del mundo por razones obvias.

Os dejo la videocrítica de 'Tiempo' ('Old') como novedad en el canal #UltimoEstreno de Youtube. ¡Gracias miles por leer, por verla, por comentar y por enlazar por ahí! 😁

Alan Menken cumple 72 años

Alan Menken cumple hoy 72 años.

Disney tiene bandas sonoras inmortales en un buen puñado de sus clásicos antes de que llegara Menken a la compañía, a finales de los ochenta, y empezara a componer obras que han quedado ya para la historia del cine. 'La sirenita', en 1989, fue la apuesta de la empresa para resurgir o irse a por tabaco, y la banda sonora de Menken desempeñó un papel fundamental en ello, circunstancia refrendada en 1991 cuando se estrenó la estupenda 'La bella y la bestia', en la que el compositor demostró que era aun capaz de dar más a la hora de crear un musical, ampliando registros y construyendo una obra que era evidente se trasladaría a otros formatos, como el teatro, ante su grandeza.

Después vendrían 'Aladdin', 'Pocahontas', 'Hércules' y la 'gran' banda sonora de Menken: 'El jorobado de Notre Dame'. Se trata de una película adulta, poco apreciada por el público mayoritario, de connotaciones sexuales explícitas: la secuencia del ruego de Frollo a la Virgen María para que le aparte los pensamientos lascivos hacia Esmeralda es tenebrosa, perturbadora, imponente y musicalmente lapidaria; en otra, el baile de la zíngara supera con creces la sinuosidad de Jasmine en 'Aladdin' y embrutece el concepto melifluo de la Blancanieves original... Y así podríamos seguir ante la gran cantidad de atractivos de un filme que solo tiene como merma el abuso del ordenador, demasiado descarado en ocasiones.

Pero yo hablaba de Menken, del que me quedo con esta obra maestra que es 'El jorobado de Notre Dame'. Otra vez el estilo coral de 'La bella y la bestia' cuando surge ('Topsy Turvy'), un impresionante prólogo con el gregoriano y la acción como protagonistas o el extraordinario 'Out There', con un in crescendo narrativo impecable que se inicia con un Quasimodo humillado en su merma para avanzar en las ilusiones del protagonista sobre lo existente fuera de su campanario y acompañarlo musicalmente en su recorrido por los exteriores con la plenitud de una orquesta pletórica.

Lástima de premios de postín, casi siempre tan injustos. Sí es cierto que los Oscar, con Menken, han sido prolíficos, obteniendo ocho estatuillas en su carrera, solo superado por Alfred Newman, pero justamente en 1996 no fue de recibo que 'El jorobado de Notre Dame' se quedara solo en la nominación. Porque si hay que reivindicar la película en su totalidad, no se puede quedar atrás el análisis de la banda sonora no solo de las canciones que a muchos nos sonarán, sino también la partitura que encumbra las imágenes de una película que fue, realmente, la que cerró una etapa del resurgimiento de Disney (1989-1996) que dio paso a otro modelo de animación en la compañía que es el actualmente vigente.

Falderos y el día que nos dejó un maestro

Hay ámbitos en los que ver a la gente doblar la cerviz para babosear con sus comentarios, los 'me gusta' y esas cosas no es que te indigne. Más bien provoca risa por lo ridículo. Eso sucede mucho, por ejemplo, en la política actual, donde los falderos corren a escribir en las redes sociales para pelotear al gurú de turno. Es divertido, pero sobre todo placentero si compruebas que esa gente triste no está en tu nómina de 'amigos' de facebook porque muchos de ellos los eliminaste para desintoxicarte de la mierda.

Aparte de este comentario sin la mayor trascendencia, lo importante de hoy es que hace 17 años falleció uno de los más grandes compositores del siglo XX y alguien que, como pocos, transformó la música cinematográfica en un discurso narrativo de primer orden lejos de aderezar imágenes con notas musicales como complemento secundario. El 21 de julio de 2004 nos dejaba el gran Jerry Goldsmith, que solo ganó el Oscar por 'La profecía'. Una de sus obras maestras es 'Acorralado', como os conté en un videorreportaje en el canal #UltimoEstreno hace ya tiempo, cuyo enlace os dejo a continuación por si queréis repasarlo o verlo por vez primera:

https://youtu.be/TKATA_g8hrU

Gerardo Garrido: “Del personaje de Quique en Verano Azul aprendí todo lo que no se debe hacer en la vida, en la que no hay que callar como hacía él"

Gerardo Garrido, quien fuera el popular Quique en la serie televisiva 'VeranoAzul', se ha puesto tras las cámaras para dirigir un documental titulado ‘Futuro azul’, en el que reflexiona sobre la evolución -o involución- que la sociedad actual ha mostrado durante los últimos cuarenta años, desde que se estrenara la citada serie dirigida por Antonio Mercero hasta la actualidad.

Expertos en sociología, ecologismo, economía, etc. y antiguos compañeros de Garrido que participaron en 'Verano Azul' desfilan por la pantalla expresando sus reflexiones al respecto. El documental ya está finalizado y a la espera ahora de ser estrenado en alguna de las plataformas televisivas.

Gerardo Garrido nos habla en 'Último Estreno' y en exclusiva, durante más de una hora, de su experiencia no solo durante el rodaje de ‘Futuro azul’, sino también de su trayectoria profesional, su pasión por la fotografía y lo que supuso encarnar a un personaje, Quique, del que asegura “aprendí todo lo que no se debe ser en la vida, en la que no hay que tener miedo como tenía él, en la que no hay que callarse como se callaba él. Si practicas aquel tipo de bondad, al final no vivirás tu vida sino la de los demás”.

Así mismo, Garrido -en referencia a ‘Futuro Azul’- hace especial hincapié en la necesidad de concienciar sobre “siete ámbitos fundamentales para que el mundo sea mejor”, admitiendo que su documental -el primero de otros que ya está preparando- es “un espejo” en el que la sociedad debe mirarse para alertar sobre la actuación situación social y económica que padecemos. El director afirma que, a pesar de ello, ‘Futuro Azul’ “abre una puerta a la esperanza con un mensaje positivo para que entre todos busquemos la solución”. 

En este trabajo participan, exponiendo sus reflexiones, sus compañeros de serie Juanjo Artero (Javi), Miguel Joven (Tito) y Ayo Ortega entre otros, y cuenta con la especial participación de Iñaki Mercero, cineasta e hijo del director de VERANO AZUL, Antonio Mercero.

Fernando del Paso: "El Molino de Nerja seguirá teniendo la esencia y el encanto de Verano Azul y del flamenco"

El popular Bar El Molino de Nerja no es solo un templo del flamenco en Nerja y uno de los lugares más pintorescos de la hostelería nerjeña. Para los millones de seguidores de VERANO AZUL es la famosa Tasca de Frasco, la taberna donde Chanquete hacía sus recesos para compartir los chatos de vino y las partidas de dominó con otros lobos de mar.

En el mes de mayo se anunció el cierre de este local y la conmoción fue muy grande. Parecía perderse un sitio que durante décadas había sido cita obligada de flamenco en Nerja y además una de las localizaciones de VERANO AZUL que se conservaban casi tal cual cuarenta años después del rodaje y estreno de la serie. Tras distintas conversaciones, El Molino-La Tasca de Frasco cuenta con nueva gerencia. El artista y empresario Fernando del Paso se ha hecho cargo del local y ha sido tajante en la entrevista concedida al canal #UltimoEstreno: "El Molino seguirá teniendo la esencia y el encanto de Verano Azul y el flamenco".

En esta larga conversación nos cuenta anécdotas del bar, cómo no pasa el día que no acudan familias al local preguntando por la serie televisiva y la activa presencia que El Molino-La Tasca de Frasco tendrá en los actos del 40 aniversario del estreno de la serie, previsto a partir de septiembre.

Hasta un sueco ha querido no solo arrendar, sino comprar la finca entera ubicada en la céntrica calle San José en estos dos meses, con lo que quizá hubiera supuesto a la hora de perder una de las localizaciones más recordadas de VERANO AZUL, donde el personaje encarnado por Valentín Paredes en el capítulo 'La navaja' siempre será recordado o la famosa expresión de Miguel Joven Braun 'Tito': "¡Chupa del carrasco, Frasco!".

Richard Donner (1930-2021)

Sucede que hay directores de cine que son ellos y nuestras circunstancias. Es decir, que cuando los recordamos se acumulan en la memoria no solo los títulos de las películas que han rodado, sino también todo lo que a nosotros nos rodeaba cuando se estrenaron porque llegaron a nuestra vida en unos momentos en los que crecíamos viendo cine. De siempre estaban John Ford, Frank Capra, Curtiz… Sí, ellos fueron los maestros, pero para la generación que empezó a vivir el cambio de la infancia a la adolescencia en los emblemáticos años setenta y ochenta y el cine ya empezaba a formar parte de nuestras vidas, existían por un lado las obras maestras clásicas de una época dorada y por otro las pelis que íbamos a ver contemporáneas, de las que sabíamos que sus directores harían otras más y también iríamos a verlas, los actores los veíamos en la tele tal y como aparecen en ellas y salían los discos con las bandas sonoras de aquellos John Williams, Dave Grusin o Bruce Broughton que tenían algo más de cuarenta años. Toda una vida aun por componer puñados de obras maestras. Por eso, cuando hablamos de Richard Donner no solo lo hacemos de Superman, sino del cine en el que la vimos, de los padres con sus niños diciendo en su apabullante inicio aquello de “¡qué largo es lo de las letras, a ver si empieza la película!”. Cuando hablamos de Donner no solo lo hacemos de ‘Los Goonies’, sino de con quién fuimos a verla, con aquellos amigos de la pubertad, con las amigas para que captaran la indirecta pandillera besos incluidos. Cuando hablamos de Donner nos lleva al terror creado por la música de Golsmith y cuántas veces la oímos y la utilizamos para grabaciones de adolescentes. Cuando hablamos de Donner lo hacemos de ‘Lady Halcón’ y de la carrera de Alan Parsons, ‘alma mater’ de su peculiarísima banda sonora aunque esté firmada por Andrew Powell, que por aquellos ochenta barría con su rock progresivo y nos marcó a muchos hasta hoy día. Y así podríamos seguir. Es seguro que, para quienes ya están jubilados por decir algo para determinar su edad, Richard Donner sea ese que hizo pelis que tuvieron que ver porque sus hijos no paraban de pedirles que les llevaran al cine, y para la actual generación veinteañera, el nombre del cineasta no les diga nada porque no saben ni quiénes eran los goonies. Pero para muchos, millones de amantes del cine de una generación que tuvo la dicha de ver en pantalla grande aquellos estrenos de los ochenta y noventa, Donner es un director de cabecera porque son sus películas y nuestras circunstancias. Películas que, además, junto con las de los clásicos, nos moldearon nuestros ojos y nuestra visión cinematográfica para aprender a amar el cine y tener el concepto actual de lo que es una cojonuda película y lo que no lo es. Y eso se lo debemos, entre otros como Spielberg o Scorsese, a Donner. Te lo cuento en este video homenaje al director, fallecido hace varios días, que está a vuestra disposición en el canal #UltimoEstreno de Youtube.

'Mi legado nazi', película documental para reflexionar en tiempos de radicalismos y odio

 

El comentario que publicó el amigo Conrado Xalabarder hace varios días en Facebook sobre la película documental 'Mi legado nazi' ('What Our Fathers Did') me ha animado a ver esta producción del año 2015 disponible en Filmin.

Para los que nos desazona desde siempre el surgimiento y el auge del nazismo y las consecuencias que ello provocó en la Europa del siglo XX, visionarla es obligatorio, aunque a decir verdad, debería serlo para todos.

El escritor y abogado judío Philippe Sands reúne en determinados lugares estratégicos de la barbarie nazi -el guetto de Cracovia, una sinagoga calcinada, una carretera donde 3.500 judíos fueron tiroteados para caer en una fosa y cuyos cuerpos aun se encuentran bajo tierra- a dos hijos de jerarcas nazis que fueron partícipes directos de aquellas matanzas. El documental invita a ambos a mirarse al espejo a través de sus progenitores para trasladar al espectador los sentimientos que guardan en su interior dos ancianos con visiones diferentes. Mientras que uno de ellos se resiste a incluir a su padre en las responsabilidades directas de tanta barbarie, el otro muestra un profundo desprecio por el suyo y conmina a su colega a admitir lo que sucedió con la anuencia de ambos ascendientes.

‘Mi legado nazi’ penetra y escuece, porque es duro ver a dos hijos hablar así de sus padres, pero una visión más allá nos sigue perturbando o debería hacerlo. La visión que nos proporcionó Maximilian Schell en su papel de abogado defensor en ‘Vencedores o vencidos’ cuando, en su alegato final, dijo una lapidaria frase: “La culpa de Alemania es la culpa del mundo”. Aquí, la culpa de dos hijos es, por extensión, la del mundo que permitió el holocausto y lo más preocupante aun: los honores que uno de ellos recibe cuando los tres protagonistas de la película visitan una concentración en Ucrania de la que no quiero desvelar más detalles.

En esta videocrítica que os dejo en el canal #UltimoEstreno de Youtube os cuento mis impresiones sobre 'Mi legado nazi' y os aliento a ver este documental en unos tiempos en los que es necesario reflexionar sobre el peligroso regreso de las posturas radicales y los mensajes de odio.

'Luca', la forma del agua de Disney

He agradecido mucho que Pixar abandone ese pretencioso y confuso mundo de vivos y muertos con los que nos dio el coñazo con 'Coco' o 'Soul' y haya optado por volver a la frescura, a la luminosidad y a las historias que, como sucede en la mayoría de las obras maestras del cine, son sencillas y la clave radica en la manera de contarlas.

'Luca' es luminosa, un soplo de aire fresco en estos momentos, un delicioso Disney ¿menor? con un fuerte simbolismo en los objetos que sirven de puerta para que el pequeño monstruo marino se sienta atraído por la vida terrenal. Porque Luca encuentra un reloj, un naipe, una llave inglesa y una gramola: el tiempo, el destino, el trabajo y el ocio-cultura. La vida humana condensada magistralmente en un macguffin de objetos.

'Luca' tiene chicha: su simbología, el divertimento de encontrar los objetos con los que se homenajea al cine italiano y las coincidencias con películas como 'La forma del agua', de Guillermo del Toro. Y no solo porque estemos hablando de monstruos marinos.

En la imagen tenéis la videocrítica subida al canal #UltimoEstreno de Youtube, espero que la disfrutéis

110 años del nacimiento del cineasta Bernard Herrmann

Hoy se cumplen 110 años del nacimiento de uno de los más grandes nombres del cine: Bernard Herrmann.

Tipo malhumorado y más antipático que el gato del doctor No, sin su música Hitchcock no hubiera alcanzado las cotas maestras de algunas de sus películas más grandes. Ambos caracteres chocaron hasta la disolución del tándem en la última etapa del director, perdiendo tanto uno como otro.

Cuentan que un profesor, bastante corto de miras, le dijo al 'niño' Herrmann en sus primeros años de aprendizaje musical que no servía para esto de la música, a lo que Bernie, con su habitual forma de ser, le partió el violín en la cabeza a su maestro y se fue tan tranquilo a su casa. Con los años, ya sabemos: vinieron 'Ciudadano Kane', 'Vértigo', 'Con la muerte en los talones', 'Jason y los argonautas', 'Psicosis'...

En este último caso estamos ante una de las obras maestras músico-cinematográficas más perfectas, no sin antes no haber tenido su rifirrafe con Hitchcock, que no quería música en la película. De hecho, el director pensaba colocar, en la famosa secuencia de la ducha, el sonido de un cuchillo entrando en una sandía, que se supone es el mismo que oímos al clavar este objeto en la carne humana. Herrmann le dijo que al menos escuchara su opinión y sus temas, y finalmente la película se quedó con su banda sonora, una de las más grandes y redondas porque se ha convertido en el ejemplo de score perfecto como tal: los violines por agudos en la ducha, que nos trasladan inconscientemente a los pájaros embalsamados de Norman, revelándonos quién está asesinando; la extensa secuencia anterior de Marion en el coche, con el ritmo trepidante marcándonos la huida; el asesinato de Arbogast...

Una puñetera obra maestra que hoy no hay quien sea capaz de componer, porque no solo estamos hablando de un elemento perturbador y ni mucho menos secundario para generar inquietud, sino de un protagonista narrativo de primera fila que hilvana y nos revela lo que vemos y lo que no.

En este vídeo del canal #UltimoEstreno de Youtube publicado en enero de 2020 dedico unos minutos a recordar sublimes momentos de 'Psicosis' gracias a la banda sonora de Herrmann, coprotagonizándolo con la interesantísima música que Isidro B. Maiztegui compuso para 'Muerte de un ciclista'. No os lo perdáis.

Participación en la Feria del Libro Virtual de Estados Unidos homenajeando a Ennio Morricone

El domingo 20 de junio tuve el placer de ser invitado por la Virtual Book Fair USA (Feria del Libro Virtual de Estados Unidos) para, en una de sus sesiones, hablar sobre el legado que nos dejó, hace ahora prácticamente un año, el compositor Ennio Morricone.

Agradezco a la escritora y embajadora en España de este evento cultural, Ania Granjo, su invitación a conversar, durante una hora, sobre la obra del maestro romano, una de las figuras más aclamadas de la música cinematográfica y con el que tuve la ocasión de conversar en Sevilla antes de su último concierto en la capital andaluza, en el año 1999.

Dado que la filmografía-discografía de Morricone es francamente extensa -compuso más de quinientas bandas sonoras a lo largo de su vida- analizamos sus características a través de cuatro de sus obras siguiendo criterios de internacionalidad. Así, seleccioné 'Cinema Paradiso' como representante del cine italiano, 'Érase una vez en América' para condensar el trabajo de Morricone para el cine estadounidense, 'La misión' representando a Gran Bretaña y finalmente 'Átame' de Pedro Almodóvar por España. Todas fueron por supuesto 'señuelos' para extendernos más allá de solo cuatro títulos, lo que también el tiempo nos permitió.

Os invito a ver el programa, en el que Ania Granjo interviene en los minutos iniciales para introducir a la figura del maestro con reseña a su hijo, el también compositor Andrea Morricone (el texto que lee la escritora es mayoritariamente de mi autoría) y posteriormente mantenemos un intercambio de ideas sobre quien es, para muchos, el mejor compositor de bandas sonoras de la historia del cine.

Videorreportaje sobre la película documental 'Arcadeología' y entrevista a su director, Mario-Paul Martínez (estreno el 30 de julio en cines)

Este sábado, a las 13:00 horas, hemos estrenado en el canal #UltimoEstreno de Youtube el videorreportaje dedicado a la película documental Arcadeología, dirigida por Mario-Paul Martínez, a quien entrevisto para que nos cuente todo sobre esta producción que estará en los cines de España a partir del 30 de julio.

"Las arcades son como el cine primigenio. Tienen algo que enganchan, por la potencia y lo concentrado de la imagen. No podemos olvidar que también se hicieron para ganar dinero, tenían que ser difíciles para que echáramos monedas".

"Hay arcades en los lugares más locos y hemos ido a sitios muy locos, almacenes llenos de polvo... Una Berzerk que tenía dentro tela de malla de gallinero, plumas, había sido utilizada para criar gallinas que ponían huevos dentro de ella".

"Hemos metido la cámara dentro de las propias máquinas, recorriendo sus circuitos, sus pantallas... cosas que jamás se han visto y visionarlo en una pantalla de cine es alucinante".

Entrevista en la Feria del Libro Virtual de Estados Unidos sobre Ennio Morricone

Tengo el placer de anunciaros, y por supuesto invitaros, a mi participación en la Feria Virtual del Libro de Estados Unidos en la que estaré el próximo domingo día 20 de junio, a partir de las 18:15 h. (hora española) en directo a través del enlace de Facebook que os dejo a continuación.

Durante aproximadamente una hora, la escritora Ania Granjo me entrevistará y hablaremos de la figura del compositor Ennio Morricone, centrándonos especialmente en cuatro de sus bandas sonoras que de alguna manera reflejan la internacionalidad y la versatilidad del maestro italiano a la hora de componer para el cine.

Solo tenéis que entrar en el enlace a las 18:15 horas, no es necesaria inscripción previa ni trámite alguno. Espero que disfrutéis y agradezco de corazón a la maravillosa Ania que haya contado conmigo para este importante evento a nivel mundial y a la propia Virtual Book Fair por su confianza.

¡Os espero a todos! #UltimoEstreno

Enlace: fb.com/VirtualBookFairUSA/