La banda sonora para despedir el día...'Sed de Mal'/'Desayuno con diamantes'/'Basil el ratón superdetective'

El popular compositor Henry Mancini nació el 16 de abril de 1924.

Su capacidad para crear bellas composiciones, especialmente en la década de los sesenta, con la elegancia por bandera y sin necesidad del empleo de amplias orquestas –su condición jazzística la reflejó constantemente en el cine- lo convirtieron en un músico proclive a la capacidad retentiva en nuestra memoria. ‘Charada’, ‘Dos en la carretera’, ‘Días de vino y rosas’ y, especialmente, ‘Moonriver’, han sido canciones que ya han pasado a ser consideradas sagradas en el mundo del celuloide. 

Consciente de que puedo ser apedreado e incluso quemado en la gran plaza pública que conforman los aficionados a la música de cine, diré que Mancini no está entre mis predilectos, lo que no es obstáculo para que reconozca lo que anteriormente he expuesto.

El vídeo que os he montado hoy recoge secuencias de cuatro películas con bandas sonoras de Mancini, dos de ellas porque la primera, ‘Sed de mal’ (1958), es su primer score, y la segunda, al tratarse de quizá la más conocida y apreciada.

La secuencia con la que se inicia la película y que Orson Welles mantiene durante minutos sin cambiar de plano es antológica y en las escuelas de cine y cursos de montaje la hemos analizado obligatoriamente. Mancini hizo lo que mejor sabía hacer como ya demostró desde entonces: manejar el ritmo brillantemente y, con los compases que le da el reloj de la bomba que posteriormente explota, desarrolla el tema con sones jazzísticos. 

Lo que siempre me he preguntado es porqué puñetas Orson Welles no volvió a trabajar con Bernard Herrmann en ‘Sed de mal’. ¿Qué obra maestra hubiera compuesto Herrmann para esta joya con este inicio y la temática de la película?

Después os ofrezco un puñado de momentos de ‘Desayuno con diamantes’. En los créditos iniciales ya suena el tema principal que proliferará en la película hasta en la sopa, apareciendo constantemente como os recuerdo en algunas secuencias que os muestro en el vídeo.

No soy nada amante de un filme sobrevalorado que no soporta más de un visionado con amabilidad. A pesar de inmortalizar a Audrey Hepburn, el papel no estaba escrito para ella, sino para Marilyn Monroe, como quería el autor de la novela, Truman Capote, que se encontró en la pantalla con una versión edulcorada de su libro, en el que “boyera repugnante” es de las frases más suaves que se pueden leer. La protagonista, Holly Golightly, es prostituta, drogadicta y bisexual, si bien, y como en Hollywood “todos los sueños son posibles”, la historia se cambió para suavizar los devaneos de la Hepburn en un papel ciclotímico, en el que habla por los codos y dice y hace demasiadas estupideces que ralentizan algunas secuencias de una película con el clamoroso fallo de casting femenino y también masculino, con un George Peppard hierático y perdido. 

‘Desayuno con diamantes’ le dio a Henry Mancini dos de sus cuatro Oscar de una tacada, por la banda sonora y la pesada canción ‘Moonriver’. Sí hay dos momentos interesantes musicalmente hablando en el filme que os muestro en el vídeo: los dos protagonistas en la tienda cuando roban las máscaras de animales, cuyos compases preludian lo que Mancini compondría al año y medio después con ‘La pantera rosa’, y los minutos finales de la película. Ahí el compositor sí demuestra ser brillante. Peppard sale del coche, deja a la insoportable Hepburn dentro y ésta va en su busca al encendérsele la bombilla. Es, de nuevo (y van…), el tema principal, pero cambiado de tono, es decir, lo ‘baja’ a menor para contribuir a la gravedad de la secuencia. Al instante, tras el encuentro con él y con su gato al que lo putea minutos antes en otro ataque de esta histérica insoportable, el tema vuelve a su tono normal, aportándonos la sensación de feliz conclusión de una historia con forzados momentos en su desarrollo a lo largo de su metraje.

La última secuencia pertenece a los créditos de ‘Basil el ratón superdetective’ (1986), que me sirve para recordaros que Mancini trabajó también para la animación, en este caso con la Disney. El tema principal es más sinfónico y a lo largo del filme el compositor experimenta un poco más allá de sus influencias jazzísticas. Es muy recomendable. 

(Texto perteneciente al libro ‘Las bandas sonoras para despedir los días’, de próxima publicación)

Bill Conti y la música de 'Rocky'

Queridos y queridas, lo prometido es deuda: celebro el 78 cumpleaños del compositor Bill Conti citando en este nuevo vídeo reportaje del canal #UltimoEstreno en Youtube algunas de sus bandas sonoras, pero sobre todo dedicando la mayoría de su contenido a analizar la música que escribió para 'Rocky'. 

Su emblemático tema 'Gonna Fly Now' se convirtió en un himno, pero hay más que esta animosa canción en la película. Aunque en la retina tengamos el entrenamiento del boxeador ya preparado para combatir dando saltos de alegría en las escaleras del Museo de Arte de Filadelfia y la secuencia final, hay momentos extraordinarios en los que Conti juega un papel importantísimo. Esas mismas escaleras las conoció Rocky antes, cuando no estaba aun 'a tope', y el compositor nos deja claro que el boxeador se hallaba hundido física y mentalmente. Pero eso y otras cosas más os la explico en el vídeo. Aquí tenéis el enlace y espero que disfrutéis.

¡Ah, y si no lo estáis, suscribíos al canal, leñe, que nos falta poco para llegar a los mil! 😆

Mi relación amor-odio con 'La última tentación de Cristo'

Siempre dije que mi relación con 'La última tentación de Cristo', de Martin Scorsese, es de amor-odio. 

Desde los inicios del cine, reflejar en pantalla la figura de Jesús fue una tónica habitual porque se trata de un personaje de gran relevancia histórica, pero encontrar una buena película sobre él es sumamente difícil. Las hay entrañables por lo que supusieron (las 'superproducciones' de principios de siglo de Ferdinand Zecca y Alice Guy), ortodoxas y acartonadas ('Rey de Reyes', con un Nicholas Ray en un momento bajo), edulcoradas ('Jesús de Nazaret' de Zefirelli), horteras ('Jesucristo Superstar' de Jewison), feas y videocliperas ('La Pasión' de Gibson)... Probablemente la mejor fuera 'La Pasión según San Mateo', de Pasolini.

Jesús atrae mediáticamente pero su historia es arriesgada en el cine. Se sabe lo que sucede y se conoce el final. Así no tiene gracia, juegas en desventaja al hacer una película sobre él, a no ser que aportes nuevas visiones bien en el desarrollo narrativo que minimice todo lo posible algo ya manido o le des una vuelta de tuerca guionísticamente y hagas algo interesante. Y como Scorsese es un tipo con cine muy interesante, se interesó por la novela de Kazantzakis, en la que Cristo hace cruces para los romanos y los judíos lo odian, mantiene relaciones sexuales con María Magdalena, Judas es su mano derecha, el demonio lo tienta hasta vencerle -aparentemente- y las majestuosas bandas sonoras de Rozsa, Jarre y compañía daban paso a sones étnicos con instrumentos de la zona palestina

¡Apasionante! ¡Algo distinto y con Harvey Keitel y David Bowie en el elenco! Pero cuando a Scorsese le da por ponerse trascendental más allá de lo cinematográficamente permisible y además se acompaña en el tratamiento del guión por Paul Schrader, que en ocasiones también se las trae, entonces lo que debe ser apasionante se convierte en algo 'que pudo haber sido y no fue'. Y 'La última tentación de Cristo' pudo haber sido una obra maestra -sin entrar en disquisiciones religiosas, tan solo cinematográficas- y se quedó en la película más interesante y atípica sobre Jesús pero plagada de minutos vacíos, pulsaciones a cero y vacilaciones guionísticas que no salvan ni un enorme Willem Defoe ni la estupenda Barbara Hershey, más 'puesta' en la película como elemento impostado y aislado para justificar la debilidad de Cristo cuando llega el momento que como personaje crucial del que extraer su jugo novelístico. Y todo eso me da muchísimo coraje. 

No obstante, la de Scorsese se ha convertido en una de mis películas de cabecera sobre el personaje y un filme imprescindible para los amantes del cine de verdadero interés más allá de los convencionalismos respecto a Cristo y del cine mismo. Hace ya un tiempo monté un pequeño vídeo sobre las bondades de la estupenda banda sonora de Peter Gabriel. Os lo dejo aquí.

Nunca el abandono

Creo que todos los que participamos intensamente de la Semana Santa tenemos el 'Viernes de Dolores' como la fecha de inicio de nuestros días más esperados, la antesala del Domingo de Ramos en la que además hay ciudades en las que ya procesionan hermandades. 

Van a ser días muy duros para nosotros, especialmente para quienes llevamos toda la vida revistiéndonos con nuestra túnica. Desconozco qué sensaciones experimentaré cuando, a la hora en la que debería estar alzando mi cirio anunciando a mi titular, me encuentre confinado, en mi casa. Ni siquiera me atrevo a pensar en los días anteriores, en el luminoso Domingo de Ramos, en las visitas a los templos con mi padre, en la radiante ilusión en el rostro de Aurora el Lunes y el Jueves Santo, en cómo nos miraremos confinados en las horas en las que San Benito va de regreso o el Cachorro vuelve por el puente. No sé qué nos diremos con los ojos, sentados en el sofá, mientras la Macarena permanece a oscuras en su camarín. Cruel paradoja en la noche en la que cada año más llamas de fe iluminan las calles del mundo... 

Lo que yo quería decir es que, en estos días tan difíciles, quiero pensar que será especialmente duro para los miembros de las juntas de gobierno, con sus respectivos hermanos mayores a la cabeza, que trabajan todo un año para la culminación que significa la estación de penitencia. Por eso quiero mostrarles mi reconocimiento y consideración, animándoles a continuar trabajando, dándoles mi aliento para que la desilusión, y aun peor, la tristeza -qué palabra con significado tan profundo- no penetre en su corazones. Estoy seguro de que las palabras de cariño de los hermanos de cada corporación les ayudará a seguir dictando el futuro de nuestras hermandades. Hago especial énfasis con este mensaje de aliento en los dirigentes de las hermandades a las que pertenezco, de todo corazón.

De la misma manera que estoy convencido de que los hermanos mayores y juntas de gobierno sentirán el cariño de quienes los apoyamos, los hermanos de cada cofradía también necesitan sentirse arropados por sus dirigentes, que les llegue el calor de alguna de las maneras posibles de quienes se sientan en las mesas de junta, recibir unas líneas escuetas pero sinceras sobre todo lo que está sucediendo e invitarles a vivir la Semana Santa de otra manera para posteriormente continuar participando de nuestras corporaciones hasta donde cada uno pueda o considere oportuno.

Miles, quizá millones de penitentes y nazarenos repartidos por el mundo, hacen posible cada Semana Santa. Y en estos días necesitamos no solo los recibos habituales del pago de cuotas, sino también las manos tendidas, unos y otros, para sentirnos en comunión y apoyados cuando nuestros titulares se van a quedar en sus templos, las túnicas en nuestros armarios, la fe sin expresarse... Pero nunca el abandono entre hermanos.

Muchos abrazos a todos los cofrades de mi parte.

La banda sonora para despedir el día...'En ángel azul'/'Sabrina'

El 1 de abril de 1930 se estrenaba la película 'El ángel azul'. Hace nada menos que 90 años. 

Era una de las primeras grandes apuestas de Alemania por el cine sonoro, y lo hizo con una historia bastante escabrosa y con un guión que difícilmente hoy podría llevarse al cine, sopena de que al director y a la productora se les acuse de ser machistas como calificativo más amable.

Lo que sí daba pie 'El ángel azul' era a continuar utilizando el expresionismo que caracterizaba al cine alemán y los decorados lúgubres, deformados, espigados, de sombras toscas y primeros planos dramáticos forzados. Sea como fuere, el filme de Josef von Sternberg es una obra maestra, cruda y desgarradora. El profesor recto y cincuentón, poco a poco enamorado de una cabaretera, capaz de echar su vida por tierra por tal de conseguir el amor de una mujer sin remilgos, descarada y que, en las carnes y huesos de Marlene Dietrich, provocó síncopes en los más puritanos al verla en la pantalla con las piernas al aire y con esa salvaje sensualidad germana tan del gusto de la época.

¿Y la música? La banda sonora de 'El ángel azul' es del compositor inglés Frederick Hollander. De origen judío, se fue a Alemania a trabajar, huyó de los nazis marchándose a Estados Unidos y regresó al país teutón a mediados de los cincuenta. En su primera etapa le tocó musicalizar 'El ángel azul', para la que compone poca música. La película solo cuenta con un tema introductorio muy al estilo de las representaciones teatrales livianas de la época más que relacionado con la temática que visionamos después. Sí se le aprecia un leit motiv que volveremos a escuchar después en alguna canción o al final, pero se trata de una composición 'aislada', tengamos en cuenta la procedencia de Hollander, hijo de un compositor de operetas, y especialmente el momento del sonoro en el que nos hallamos. La canción 'Lola Lola' también os la ofrezco en el vídeo, es la más famosa de la película, y fragmentos de otras varias después. Hay que esperar al final del filme para escuchar nuevamente música, un tema de tintes celestiales, con el que se acompaña la muerte del profesor asido con su mano a su mesa en su regreso al aula de la escuela para recuperar algo de su dignidad. No solo las imágenes 'perdonan' a Enmanuel Rath en esa estéril vuelta a sus orígenes, sino también la música.

Me fascinan muchas cosas de 'El ángel azul' que podéis ver en el vídeo: la simbología de la sirena sonando desde el muelle cercano al cabaret cada vez que el profesor va en busca de su amada por esas calles tan expresionistas, esos decorados 'torcidos'... El payaso que aparece estratégicamente en la película, prediciendo el desgraciado futuro de Rath, incomodándonos como espectadores; su desgarrador lamento cacareando como un desgraciado ante el público...

Os ofrezco también en el vídeo los créditos iniciales de 'Sabrina' la película de Billy Wilder con Audrey Hepburn, con un maravilloso vals compuesto por Frederick Hollander, y una secuencia estupenda de 'Los 5.000 dedos del doctor T' (1953), una inclasificable película musical, a ratos tremendamente hortera pero con una banda sonora excepcional que le valió al compositor una nominación al Oscar a mejor banda sonora.

La banda sonora para despedir el día... 'Tesis'/'Los otros'/'Mar adentro'/'Mientras dure la guerra'

Alejandro Amenábar cumple hoy, 31 de marzo, 48 años.
Siempre he creído que lleva un enfervorizado amante del cine dentro, un apasionado de este mundo. Algunas cosas, como 'Los otros', le salen prácticamente redondas; otras fueron demostrativas de la eclosión de su futuro talento, como 'Tesis', a algunas les pierde su academicismo, como 'Ágora' o 'Mientras dure la guerra', pero no cabe duda de que si estrena película hay que ir a verla. Porque como sucede con el espejo en el que se mira sin disimulo -Steven Spielberg- Amenábar siempre tiene algo que contar y lo hace con atinadas maneras cinematográficas.
Se hartó, se fue de la Facultad tras recibir el suspenso de un profesor al que 'homenajeó' en 'Tesis' colocándole su nombre al malo de la película, y nunca se licenció en Imagen y Sonido. Ni falta que le hacía, como a muchos otros que han demostrado sobradamente que nacen con la virtud de saber hacer cine.
Pero el tema diario son las bandas sonoras, y aquí llegamos a un polémico asunto. Amenábar siempre fue un confeso melómano, y le dio también por componer las músicas de sus películas. Tras los cortos experimentales, llegaron sus scores para 'Tesis', 'Los otros', etc.
No tiene ni idea de solfeo, lo confiesa, no sabe escribir en el pentagrama, lo hace de oídas... pero dice que compone música. ¿Cómo se hace eso?
Entre las respuestas, la que considero más cercana se encuentra en los créditos finales de las películas o en los libretos de los CDs de sus bandas sonoras. Basta ver que 'Los otros' cuenta con cuatro orquestadores, entre ellos Xabier Capellas y Lucio Godoy, este último productor y muy presente en la trayectoria musical de Amenábar. Es decir, que es muy probable que a nuestro director-músico se le 'ocurran' temas, melodías, los grabe y el desarrollo y plasmación en los pentagramas sea trabajo de los 'chicos' que orquestan, que son brillantes compositores y técnicos.
¿Es justo entonces decir que Amenábar es compositor? Hay respuestas de todo tipo, porque hacer música es muy complejo. Pero lo cierto es que sus bandas sonoras cumplen generalmente y con creces en sus películas.
Amenábar tiene preferencial talento para crear melodías armónicas cuya belleza se basa en alargar las notas especialmente con las cuerdas, y le funciona con solvencia en 'Mientras dure la guerra' o 'Mar adentro', y en otras temáticamente más próximas al cine tensional de terror las ha resuelto con leit motivs también pegadizos con los que ha demostrado saber de sicología musical cinematográfica. En 'Los otros', en su tema principal -podéis comprobarlo en el vídeo de hoy adjunto- juega con el misterio en sus notas a través del instrumento de viento y pasa inmediatamente a unos compases similares a una nana infantil, reflejando por lo tanto el elenco protagonista del filme. Os pongo seguido a este tema la secuencia final, clamorosa en el desarrollo musical del convencimiento del personaje de Nicole Kidman con los pequeños de qué es lo que son ellos realmente. El tema adquiere en determinado momento tintes 'espirituales' con unos tímidos coros que revelan de qué naturaleza son nuestros tres protagonistas...
Antes, en 'Tesis', más que la calidad musical, Amenábar demostraba su perfecto sincronismo con las imágenes y el estado tensional del filme. En 'Mar adentro' resulta espeluznante el momento de la muerte de Sampedro, y al tema os enlazo la orquesta con los sones gallegos inspirados en el origen del protagonista. Finalmente, en 'Mientras dure la guerra' os ofrezco la mejor secuencia de la película: la demostración de 'las dos Españas' presentes en los dos personajes que discuten. España representada en la guitarra que coloca Amenábar de fondo del debate, hasta eclosionar con las cuerdas.

La banda sonora para despedir el día...Cumpleaños de Joel McNeely

El compositor norteamericano Joel McNeely ha cumplido 61 años este 28 de marzo. 

Su relación con la Disney es estrecha y su carrera musical está plagada de bandas sonoras escritas para películas de esta compañía que, siento decirlo, no lo trata como se merece. No se puede tener en el banquillo para 'partidos amistosos' -es decir, para películas de animación de segunda fila y subproductos videográficos- a un compositor de este nivel, con una amplia formación y virtuoso a la batuta, sin ofrecerle de una vez por todas producciones de primer orden tras haber demostrado ya durante décadas lo que es capaz de dar. 

MacNeely -al que véis conmigo en la fotografía que adjunto con el vídeo que os he montado con un recopilatorio de bandas sonoras suyas- ha funcionado extraordinariamente tanto en el aspecto compositivo como en el cinematográfico en películas como 'Flipper', 'Los vengadores' o en series de televisión de calidad como 'Las aventuras del joven Indiana Jones', en las que su música, aun recordando en muchos momentos el estilo de John Williams por razones obvias, solventa capítulos que incluso sostiene, como 'The Phantom Train Of Doom' que os incluyo unos segundos en el vídeo.

La Disney tiene a McNeely para segundas partes en las que lo mejor es precisamente la música. Así, contó con él para las tardías secuelas de Peter Pan en 'Regreso a Nunca Jamás' (2002) y 'El libro de la selva' (2003), 'Mulan 2' (2004), 'Lilo & Stitch 2' (2005) y 'La cenicienta 3' (2007) entre otras. También compondría las bandas sonoras de la saga iniciada con 'Campanilla' en 2008.

En definitiva, productos de enorme consumo casero y de niveles por debajo de sus originales. Con el respeto a otros compositores, cuesta trabajo pensar que para Disney hayan trabajado estos años en filmes de primera fila determinados nombres y Joel McNeely siga ahí, obviamente cobrando de su trabajo, pero sin tener la oportunidad que se merece para que su nombre entre por la puerta grande de una compañía con grandes compositores en su haber.

Por lo demás, McNeely destaca por su buen manejo orquestal, sus influencias de jazz y una curiosidad. Ha puesto banda sonora a un libro, algo totalmente inusual cuando lo lógico es componer para imágenes. El compositor se sintió atraído por el libro 'Shadows of Empire', una publicación basada en la Guerra de las galaxias que no se llevó al cine como se pretendió en principio. McNeely lo leyó y conforme avanzó en su lectura 'imaginó' la música que tendría cada capítulo, y así surgió una banda sonora de culto para los amantes de la saga que posteriormente se editó por el sello Varese Sarabande.

La banda sonora para despedir el día...'La dama perversa', de Tony Banks (Génesis)

A muchos de los componentes de bandas de rock, pop o jazz de renombre mundial les ha atraído, en algún momento de su carrera, componer música de cine. Aun siendo más complicado de lo que parece, algunos han escrito bandas sonoras interesantes, como por ejemplo Steward Copeland (The Police), que ha trabajado para filmes de Coppola, Oliver Stone o Ken Loach. Su 'Rapa Nui' quizá sea la más mediática y una de las más interesantes. 

El caso del grupo Génesis es un buen ejemplo de ello. Tanto Peter Gabriel como Phil Collins y Tony Banks han compuesto para el cine, el primero de ellos con varios trabajos de gran calidad -especialmente 'La última tentación de Cristo'-, el segundo con alguna que otra cosa conocida en su día (podemos citar varias canciones de 'Buster'), el éxito de los temas cantados para Tarzán de Disney (el score es de Mark Mancina, conviene no olvidarlo) y, aunque quizá muchos no lo sepáis, Banks también le ha dado a la música cinematográfica. 

Lo reseño hoy, 27 de marzo, porque el teclista de Génesis cumple 70 años. Aunque tiene varias bandas sonoras, quizá la más relevante ha sido 'La dama perversa' (1983) por su acertado hallazgo de un tema melódico principal y su adaptación a la pantalla aun siendo excesiva en el recalque de las imágenes. Seamos francos: 'La dama perversa' es una espantosa película de aquellas que produjeron Golam y Globus para la Cannon que, aparte de pagar productos de acción inefables, también de vez en cuando le daban por adaptar guiones históricos o novelísticos. Este fue uno de los casos, la vida de una mujer, en el siglo XVII, que le roba el novio a su hermana y después se dedica a trepar, además de convertirse en bandolera para robar por los caminos (!!). 

Con una infumable dirección de Michael Winner, en la que los encuadres y los primeros planos excesivos demuestran su torpeza tras la cámara, ni siquiera el elenco actoral salvaba este horror, a pesar de contar con Faye Dunaway, Alan Bates y John Gielgud. Todo era horrendo, el diseño de producción para quemar el wardrobe y con un tufo televisivo sobrevolando cada fotograma a pesar de ser un producto cinematográfico. Solo la música de Tony Banks se salvaba, que había encontrado un tema melódico pegadizo, se lo dio al gran orquestador Chistopher Palmer y entre ambos hicieron lo que pudieron. 

El vídeo de hoy os muestra una serie de secuencias de 'La dama perversa': el inicio, con este tema que os comento en diferentes ritmos -el trote a caballo en pantalla es acompañado por la música en un ejercicio voluntarista de Banks que emplea en todo el filme y que al menos es de agradecer para apostillar las imágenes-, los tonos medievales y después, en otras secuencias, algunas de bella factura con flauta y cambio de ritmo con acción y tan excesivo como los siguientes, con una secuencia de amor-sexo impagable (la mano en la teta en primer plano es indescriptible), la pelea posterior aun peor rodada con Banks poniendo todo lo que pudo en sus notas y los créditos finales con el tema principal.

La banda sonora para despedir el día...La música de Alan Silvestri en once ejemplos

Setenta años son los que cumple hoy, 26 de marzo, el compositor norteamericano Alan Silvestri.

Tiene muchísimos seguidores, entusiasma a numerosos amantes de la música de cine y le han dado pocos premios para la calidad que posee su obra. 

En el vídeo de hoy (PINCHAR AQUÍ PARA VERLO ÍNTEGRAMENTE) hacemos un repaso de algunas de sus bandas sonoras, concretamente once de ellas, solo unos segundos de cada una para recordarlas a quienes lo siguen o, en el caso de que no las conozcáis, que puedan lograr atraeros. 

Como primera providencia, llama poderosamente la atención cuando, en tan solo el año que separa 'Tras el corazón verde' (1984) de 'Regreso al futuro' (1985), fuera capaz de demostrar una sorprendente evolución de una música liviana al apabullante poderío orquestal en la película del director Robert Zemeckis, con el que ha venido trabajando desde ambas. Y no solo me refiero al hecho de que Silvestri disfrutara de toda una orquesta con cien músicos para grabar 'Regreso al futuro' y en el anterior filme no contara con esta posibilidad por diferencias presupuestarias. Hablo de estilo, de ajuste música-imagen, de la capacidad del compositor para, al igual que nos ha dejado un leit motiv inolvidable en las andanzas de Marty y Doc, fuera capaz de ajustar sus notas a cada momento de acción incluso teniendo asombrosas similitudes con el cine de animación más que con el de carne y hueso. Hubo mucha diferencia y desde entonces quedó marcada la carrera de Silvestri que posteriormente demostró sobre todo poderío orquestal, gran capacidad para manejar el espectáculo a través de su música efectista ('Depredador' (1987) o 'Abyss' (1989) son buenos ejemplos de ello) y, creo que, primordialmente, una inteligente versatilidad que demuestra en trabajos de dispar condición. Así, pasa del puntillismo animado que ya se aprecia en 'Regreso al futuro' a repetirlo con mayor adecuación y libertad a '¿Quién engañó a Roger Rabbit?' (1988), pero enriquece su música con temas jazzísticos de brillante calidad. Del jazz es capaz de pasar a los sones del spaguetti western en 'Rápida y mortal' (1995) o a las cuerdas más terroríficas con clarísimas reminiscencias de Bernard Herrmann en 'Lo que la verdad esconde' (2000), extraordinaria partitura que también escuchamos en el vídeo. Y entre medio, los amargos a la vez que románticos sones de la trompeta interpretando el tema principal de 'El guardaespaldas' (1992), reflejando en él la desasosegadora historia de la protagonista, o la plena identificación del tema inicial de 'Forrest Gump' (1994) con la ingenuidad y la bondad del personaje, con ese piano casi infantil y tierno que construye la melodía y que, en una vuelta de tuerca, vuelve a experimentar en 'Prácticamente magia' (1998) reflejando asimismo el origen de las brujas en su infancia. 

Después han llegado poderosas músicas como 'Van Helsing' (2004) y sagas de superhéroes que han tenido distraído a Silvestri en estos últimos años y que, personalmente, me interesan menos que Hans Zimmer, que ya es decir. 

 Me gusta Silvestri, pero una duda me asalta: ¿Es un compositor con un estilo concreto e identificable? Adaptarse a la naturaleza de la película es una virtud, pero ¿es tener estilo? Utilizar poderosamente la percusión en la orquesta como hace en bandas sonoras como 'Juez Dredd' o 'El regreso de la momia' también es meritorio, pero ¿es estilo? ¿Realmente podemos observar en la música de Alan Silvestri lo mismo que detectamos en Jerry Goldsmith, John Williams, Miklos Rozsa... a la hora de hablar de 'estilo'? 

Interesante debate para tertulias de amigos en nocturnos encuentros durante días de festivales...

Stuart Gordon (1947-2020)

Ha muerto el cineasta Stuart Gordon. 

Si tuviera que seleccionar un puñado de películas entre las que más me han divertido en mi vida, estaría sin duda 'Reanimator', dirigida por él. 

Director y guionista de culto entre los amantes del cine fantástico, fue al Festival de Sitges en dos ocasiones, y en 1996 coincidí con él con ocasión del estreno de una de sus inclasificables películas, 'Space Truckers', con Dennis Hooper, Stephen Dorff y Charles Dance. Hacer una película con estos tres personajes ya puede uno imaginarse lo que sale... 

Cuando terminamos la entrevista, tras un buen rato -era un tío muy afable, le gustaba el contacto directo y sabía muchísimo de cine- me confesó muy serio: "¿Te digo una cosa? Dentro de doscientos años tendremos todo Marte lleno de colonias humanas". 

Después me firmó en la primera hoja del libro oficial del festival. Es la de arriba a la derecha, donde se puede leer "Estamos en contacto". Así lo hicimos por correo y mensajes en los años posteriores... Fue un buen año aquel en Sitges, las otras firmas son de Tim Metcalfe, director de 'The Killer' con James Woods, Jim Wilson, productor que hizo posible que Kevin Kostner pudiera rodar 'Bailando con Lobos', y abajo a la derecha Christian Bale.

Campaña para leer el guión no filmado del capítulo 'La excursión' de Verano Azul

Miguel Joven ‘Tito’ lanzó un mensaje alentador, de esperanza y gratitud en la jornada del domingo 22 de marzo, en plena crisis mundial provocada por la pandemia del Coronavirus. 

El nerjeño de adopción grabó un mensaje en sus redes sociales en los, durante alrededor de cinco minutos, agradeció a todos los espectadores el ejemplar comportamiento que los españoles estamos demostrando en estos días de confinamiento en nuestros hogares tal y como han dictado las autoridades. Lo hizo desde Nerja y además quiso tener palabras muy especiales para los seguidores de la serie VERANO AZUL, de manera que sorprendió a todos con un regalo. 

 De esta manera, Miguel Joven dio a conocer públicamente el contenido íntegro del guión del capítulo que nunca llegó a rodarse de la serie, el titulado como ‘La excursión’, que se encuentra expuesto en el Museo de Nerja pero que únicamente podemos ver su portada original. 

Con el objetivo de hacer estos días más llevaderos, Miguel ha permitido que el guión -que trata básicamente sobre las andanzas de la pandilla en un bosque en el que Tito se pierde- se pueda bajar en formato PDF y los aficionados a VERANO AZUL lo lean tal y como estaba escrito originariamente, es decir, mecanografiado. Es, por tanto, el original. 

 Desde www.regresoaveranoazul.com queremos colaborar en ello y os ofrecemos dos opciones. Una, descargaros el guión tal y como lo ha publicado Miguel Joven. Otra, que podáis verlo en vídeo incluyendo el saludo de nuestro ‘Tito’, maquetado de manera que podéis pasar las páginas por pares como si fuera un libro. Entrad aquí y lo veréis todo mejor: www.regresoaveranoazul.com

Desde regresoaveranoazul.com se inicia ahora una campaña para que este vídeo contenga la lectura de cada página por parte de quienes lo deseen con su voz, haciendo una grabación y podamos así en unos días volver a montarlo con su narración. Si queréis colaborar, basta con enviar un audio con la página que queráis al correo regresoaveranoazul@gmail.com, si se diera la circunstancia de que se repiten las páginas escogidas, en principio seleccionaremos la primera que llegue y posteriormente haríamos otras versiones del mismo vídeo con esas otras voces si se completara el guión entero. Tenéis más interactividad sobre este tema en los grupos de Facebook dedicados a VERANO AZUL , porque también podéis remitir el audio por whatssap para mayor facilidad. En el segundo vídeo que os mostramos se explica detalladamente. 

¡Animaos a participar!

57 años del estreno de 'El sirviente'

Quienes se han entusiasmado con el guión de #Parásitos tienen que apuntar en su agenda dos películas fundamentales en el caso de que no las hayan visto: 'La criada' (1960), de Kim Ki-young, coreano para más señas, y 'El sirviente' (1963), de Joseph Losey. Ambas nos cuentan la aparición de personas que, en su condición de mayordomos o cuidadores, invaden el espacio de sus señores hasta el punto de arruinarles la vida. Ya veis, nada nuevo... 

El 19 de marzo de 1963 se estrenaba 'El sirviente', de ahí que me detenga ahora en ella. Losey había abandonado Estados Unidos, perseguido por comunista, y se asentó en Reino Unido donde encontró a su actor-fetiche, Dick Bogarde, que se puso a sus órdenes para rodar esta turbadora película en la que Losey demuestra una asombrosa capacidad para transformar su cámara en nuestros ojos y desfigurar estéticamente lo que observamos con el fin de contribuir a la degradación de los personajes del filme.

'El sirviente' roza la calificación de obra maestra, y su banda sonora contribuye a ello. Está compuesta por John Dankworth, un autor enmarcado en el género del jazz que no solo trabajó para el cine y cuyo género también marcó la mayoría de sus partituras para la pantalla. A pesar de la aspereza y claustrofobia que, en ocasiones, rezuma 'El sirviente' -como debe ser-, el jazz siempre marca el estilo de su música. En el vídeo que os muestro vamos a hacer una semblanza de la música de 'El sirviente'.

Se trata de una banda sonora que, como en muchos casos entonces, no solo acompañaba a las imágenes apoyando o describiendo lo que sucede ante nosotros, sino también conformada por temas que se ubican en el inicio de secuencias en las que se dividen etapas de momento-tiempo distintos en el filme.

Comenzamos por los créditos, con el elegante tema principal iniciado con cuatro notas que, aun pareciendo que acompaña a unas imágenes apacibles, no deja de sugerir cierta inquietud. Aun lo escuchamos con tranquilidad...Una sensación que desaparece en la segunda secuencia que os enlazo, donde ya encontramos al mayordomo Barrett sentado en la cocina. Ya ha logrado ser contratado, engañar al pijo, decorarle su nueva casa y en la cocina, sin ser visto, adopta actitudes desdeñables. Si escucháis el tema que suena, es el mismo que el principal... pero John Dankworth le ha cambiado el tono, una nota y ya no suena apacible, sino intrigante. ¡Está describiendo al sujeto que tenemos en pantalla! Aparece el señor y la música sigue desempeñando su papel...

Joseph Losey hizo también mucho teatro, precisamente en la siguiente secuencia se le nota. Los pijos Tony y Susan van a visitar a otra pareja en su mansión y fijaos, tras el barrido del paisaje, la manera de entrar del mayordomo y la disposición de los personajes. ¿No os da la sensación de que se acaba de abrir el telón? Ah, la música: tan teatral como precisamente 'La huella', de la que hablábamos hace varios días, y con toques de 'alta sociedad'.

Los pies, los grifos, el péndulo del reloj... son elementos simbólicos de 'El sirviente'. La siguiente secuencia es inconmensurable. Se trata de la estrategia de Vera para conquistar al señor. Primero, Losey y Dankworth no utilizan música. ¡Una constante gota de agua cayendo vale para tensar al espectador! Ya se encargará el score de dar calor cuando en el espejo veamos que Tony ha sucumbido a las faldas cortas de Vera...

Por cierto: John Dankworth se casó con Cleo Laine, que es quien canta la canción de la siguiente y tórrida secuencia en un glorioso blanco y negro. La canción también está compuesta por él. La degradación en esa casa llega a tal extremo que mayordomo y señor juegan al escondite. La música, turbadora, contribuye a ese clima...¡y la secuencia termina con un grifo y gotas de agua!

La banda sonora para despedir el día...'Esa voz es una mina'/'¡Centinela alerta!'. Antonio Molina/Daniel Montorio

Antes de que os pongáis ojipláticos: hay que comprender que la música cinematográfica, al igual que el propio cine, abarca muchos estilos, maneras y gustos. 

Hoy, 18 de marzo, se cumplen 28 años del fallecimiento de Antonio Molina. Cantante, actor (dentro de lo que cabe), patriarca de una familia de artistas extendida hasta hoy, gran sinvergüenza dicho en el más cariñoso de los sentidos (ligón a más no poder, personaje de vida peculiar y declaraciones sustanciosas), esta fecha nos sirve para recordarlo pero también para llamar la atención sobre un fenómeno: el hecho de los compositores que, en numerosas ocasiones, hay detrás de canciones que interpretan artistas que se llevan la gloria que otorga un público que desconoce en su mayoría quiénes han hecho posible esas composiciones. 

Molina, Rocío Jurado, Pantoja, Julio Iglesias y una extensa lista de cantantes merecen todo nuestro reconocimiento, pero ninguno de ellos han sido capaces de unir dos corcheas en su vida. ¿Quién hay detrás de estos éxitos plasmando antes en el pentagrama lo que ellos cantan? 

En el caso de quien nos ocupa, Antonio Molina, tenemos que recordar su película quizá más emblemática, 'Esa voz es una mina'. Rodada en 1855 por Luis Lucia, recordar ahora este filme es prescindible. Todos lo hemos visto. No obstante, no participo del desdén general que podemos mostrar actualmente cuando hablamos de películas como esta. Basta ver los créditos iniciales para darnos cuenta de que hay muchos kilates entre los técnicos de 'Esa voz es una mina', nada menos, por ejemplo, Gil Parrondo en los decorados, un señor producto nacional que ganó dos Oscar por la dirección artística de 'Patton' y 'Nicolás y Alejandra'. José Antonio Rojo, el montador, también le montó 'Plácido' a Luis García Berlanga, y Cecilio Paniagua, operador, trabajó con nada menos que Orson Welles. Así que cuidadín con menospreciar 'Esa voz es una mina'... 

¿Y la banda sonora? Pues el score y las canciones son del compositor español Daniel Montorio Fajo, incluyendo el tema más icónico de la película, 'Soy minero'. Quizá no os suene, pero el maestro Montorio tiene numerosas bandas sonoras, obras de teatro, musicalizó películas mudas españolas y fue director de los coros de Radio Nacional de España. La Sociedad General de Autores y Editores creó en 1989 los premios Daniel Montorio para galardonar estrenos de obras teatrales musicales. Falleció en 1982 y es hijo predilecto de Huesca. 

'Soy minero' es una composición típica del maestro Montoro, y el tema instrumental podemos escucharlo primeramente en los créditos iniciales de la película, en el vídeo de hoy lo podéis comprobar. Ritmo animoso y corístico -recordad que la canción en la película desemboca en una marcha masiva de mineros por las galerías-, un bello momento de cuerdas en los créditos... y un cierto tufo a himno de equipo de fútbol, qué queréis que os diga. 

Tras las dos secuencias de la película de Molina, os ofrezco los créditos y el final de '¡Centinela, alerta!'. Película rodada en plena Guerra Civil española (1937), su temática sobre una mujer embarazada que es abandonada por un tipo no era habitual por entonces, y conviene tener en cuenta que, aunque podamos fruncir el ceño con el filme por el mismo motivo que la anterior, uno de los directores y guionistas de '¡Centinela, alerta!' es nada menos que Luis Buñuel. La banda sonora, del maestro Montorio, es muy distinta a las que hizo para Molina, Valderrama y cía. Posee un estilo heredado de la música americana de la época, con tintes de blues. ¡Muy interesante!

Centenario del compositor británico John Addison (1920-2020): de 'La huella' a 'Cortina rasgada'

Este 16 de marzo se han cumplido cien años del nacimiento del compositor cinematográfico John Addison (1920-2020). 

Su marcado carácter británico a la hora de componer siempre fue seña de identidad de sus bandas sonoras, y para conmemorar la efeméride, os invito a disfrutar del reportaje que he grabado en el canal #UltimoEstreno de Youtube analizando dos de sus bandas sonoras más emblemáticas. 

Por un lado, 'La huella' (1972), una composición que mezcla el misterio con el divertimento como corresponde a una obra maestra que nos narra la historia de un tipo engañado por su mujer que cita al amante en su mansión para proponerle una gamberrada que les resultará beneficioso a ambos. Laurence Olivier y Michael Caine durante dos horas y media en un mano a mano en un mismo escenario bajo la enorme dirección de Joseph L. Mankiewicz. 

En la segunda parte del vídeo entramos un tema apasionante gracias a 'Cortina rasgada' (1966), la película en la que Hitchcock despide a Bernard Herrmann después de que éste compusiera la banda sonora que le salió del nardo -como en él era habitual, para eso era un maestro de maestros- y don Alfredo ya demostrara su incontinencia de celos hacia el compositor de 'Psicosis' o 'Vértigo'. Tras largar a Herrmann, la Universal contrata a John Addison para hacer la partitura de 'Cortina rasgada'. En el vídeo vais a ver los créditos iniciales con la música final de Addison, pero he hecho un montaje de cómo hubieran quedado con la banda sonora que hizo Herrmann que, afortunadamente, se editó años después. 

Pero lo mejor es la secuencia en la granja cuando Paul Newman y la granjera se cargan al coñazo de Gromek. Icónicas escenas de este filme que, finalmente, Hitchcock dejó sin música, y eso que Addison le compuso un temita para el momento. Pues podréis ver en el vídeo la secuencia tal como se estrenó en los cines, es decir, sin banda sonora, después cómo hubiera quedado con la 'oficial' de John Addison y un tercer visionado con la que compuso Herrmann. ¡¡APASIONANTE!!

No te lo pierdas. Siéntate y concéntrate, porque aparte de merecer mucho la pena por su contenido, dura 50 minutos. 

Pincha aquí y disfruta: https://youtu.be/xC41rMc1tqU 

Recuerda que todo esto estará detallado en el libro de inminente publicación 'Las bandas sonoras para despedir el día', del que soy su autor. (No copiéis cositas que está registrado y seré inflexible con eso, jeje ;-)

La banda sonora para despedir el día: 'París, Texas'/'Cruce de caminos'/'Primary Colors'

Hoy, 15 de marzo, el compositor Ry Cooder cumple 73 años. 

Conocido por su virtuosidad con la guitarra slider, no es un músico que escriba expresamente para el cine. Autor de una quincena de bandas sonoras, su partitura más famosa fue la de la película 'París, Texas' (1985), dentro de los trabajos realizados para la filmografía de Win Wenders, director con el que ha trabajado en numerosa ocasiones. 

Para analizar su banda sonora he visionado nuevamente 'París, Texas', corroborando nuevamente que se trata de una película tan de culto como lenta y carente de pulso en una buena parte de su metraje. Es cierto que este soporífero ritmo lo olvidas cuando Travis llega a la cabina erótica y comienza a hablar por teléfono con Jane (una extraordinaria y bellísima Nastassja Kinski) sin que puedan verse a través del cristal y él va paulatinamente revelándole detalles para que ella descubra quién es. Pero al filme le cuesta llegar al desenlace y la banda sonora no ayuda, porque a pesar de ser una clásico, su función se limita a apostillar de manera tímida momentos que, ciertamente, ayudan a comprender la soledad del protagonista y la situación de la familia a su alrededor tras el estado de shock en el que le recogieron, pero sus limitaciones en su composición y su eclecticismo, así como su colocación en puntuales momentos mientras que en otros no aparece para sumar calidez, lastran muchísimo una película que, por momentos, me recuerda a la misma pesadez que cuando Clint Eastwood se pone romántico, incluso copiando tanto él como Lennie Niehaus a Cooder a la hora de componer. No es de extrañar, porque Cooder es un gran conocedor de la música americana y mexicana como demuestra en 'París, Texas'. 

En el vídeo de hoy tenéis en primer lugar el inicio de la película, con su tema más famoso y utilizado durante años en TVE para el programa 'Documentos TV'. Son catorce compases iguales los que dan base al desarrollo del tema de guitarra, sencillo pero efectivo. En la segunda secuencia, Travis va a la escuela a recoger a su hijo, Hunter, pero éste aun no lo acepta. La música expresa el lamento por ello y precisamente este tema, de claras connotaciones mexicanas, se repite muy suavemente en la secuencia posterior, en la que Travis está descubriéndose en la cabina a Jane. El trinomio que conforman con el niño y el uso del tema previamente relacionado con él a la salida de la escuela no es gratuito. 

 Después os ofrezco dos momentos para la polémica: Jane descubre que el hombre al otro lado es Travis. ¡No hay ni una nota de música! A la siguiente, Jane se encuentra con su hijo en el hotel y se abrazan. ¡Tampoco hay música! ¿Está mejor así, o estos momentos cúlmenes hubieran necesitado apoyo musical? 

Para terminar el vídeo, dos bandas sonoras más de Ry Cooder: la película 'Cruce de caminos', (1986) en la que el duelo de guitarras casi al final es el momento más importante con el jovencito Ralph Macchio ('Karate Kid') dándole al rasgueo de música escrita por Cooder, y el vals muy americano con el que finaliza la más que interesante película 'Primary Colors', con un John Travolta de presidente de USA reflejándose en el espejo de los escándalos sexuales que envolvieron a Clinton.

(Texto perteneciente al libro 'Las bandas sonoras para despedir los días', de inminente publicación).

La banda sonora para despedir el día... 'A sangre fría'/'El color púrpura'

El compositor norteamericano Quincy Jones ha cumplido 87 años este 15 de marzo. Además de su importante faceta como productor -está forrado gracias entre otras cosas a su visión estratégica con Michael Jackson, al que le produjo sus discos de mayores ventas en el mundo-, es un músico de gran prestigio en el mundo del jazz y del soul. Tiene escritas una treintena de bandas sonoras.

Desgraciadamente para nosotros, su faceta como productor le ha impedido componer más para el cine, porque ha demostrado ser un brillante compositor en este género. 

El vídeo de hoy es muy interesante, os lo garantizo. He elegido dos bandas sonoras, una de ellas la considero personalmente la mejor de Quincy Jones porque su aportación a lo que sucede en la película es crucial. Se trata de 'A sangre fría'. Dirigida por Richard Brooks en 1967, estuvo nominada al Oscar a mejor banda sonora aunque la estatuilla se la llevó Elmer Bernstein por 'Millie, una chica moderna'. No fue un año de grandes partituras nominadas y creo que el premio debió ir a parar a esta joya de Quincy Jones. 

De 'A sangre fría' os muestro cuatro secuencias. Aviso: no es un score fácil. Los créditos iniciales nos están revelando, con una composición átona, áspera, aunque siempre con el estilo jazzístico imperando, que los dos tipos que vemos en pantalla van a ser protagonistas de alguna fechoría. Dick y Perry son dos malhechores que llegarán a asesinar a una tranquila familia a la que tenían como objetivo robar en su hogar. Perry es un psicópata, un adicto, un narcisista que se contempla en el espejo y rememora sus tiempos de cantante en bares como se ve en la secuencia, en la que Quincy Jones compagina psicológicamente la música de espectáculo, de público que le aplaude, sin dejar de impregnarnos de una sensación de peligro. Como sucede mucho más claro con la llegada de los dos sujetos a la gasolinera, camino de cometer su crimen, en la que Quincy Jones nos tiene en vilo en la butaca, con su estilo jazzístico pero de notas átonas, percusión que mantiene la tensión... ¡Probad a visionar la secuencia sin música, quitad el volumen, y veréis dos personas 'normales' en una estación de servicio! Pero si la véis y la oís, la sensación es totalmente distinta... 

Como contraposición, el vídeo continúa con una secuencia de la familia Clutter en su granja antes de ser asesinada. Quincy Jones la musicaliza con un tema delicado, armónico, apacible y demostrativo del ambiente que impera en el seno de la citada familia, muy lejos de lo que escuchamos segundos antes. 

La otra banda sonora en el vídeo de Quincy Jones es 'El color púrpura' (1985). De las pocas películas en las que el director no contó con John Williams, pero como la producía Jones... Esta banda sonora fue nominada al Oscar junto con diez nominaciones más. No logró ni uno solo, arrasó 'Memorias de África' aquél año. 

Score con tintes étnicos africanos en muchos momentos, en otros es melódica para acentuar el dramatismo de la historia. Una buena composición, pero con cierta polémica. Os ofrezco el inicio del filme, y a continuación...¿Recordáis hace varios días cuando os hablé del compositor Georges Delerue? Pues el francés había compuesto, en 1967, la banda sonora de la película 'A las nueve cada noche'. Os ofrezco el tema principal de este filme inmediatamente después de 'El color púrpura'. ¡Sus similitudes son asombrosas! ¿Plagio, casualidad...? De esto se habló en su momento, si bien yo personalmente aporto también alguna anotación más en este aspecto. Encuentro asimismo parecidos entre 'Parque Jurásico', compuesta por Williams ocho años después, y partes de 'El color púrpura'. El vídeo finaliza con esta comparación y vosotros juzgáis... ¡Cosas de la música de cine! 

(Texto del próximo libro en imprenta 'Las bandas sonoras para despedir el día')

El Coronavirus nos cierra los cines: #quedateencasa

Las salas cinematográficas cierran como consecuencia de la pandemia decretada a causa de la propagación del COVI 19. 

El anuncio de la declaración del estado de alarma anunciado el 13 de marzo por el presidente del Gobierno de España ha propiciado otro lote de medidas, entre ellas el cierre de los cines. 

Vemos en este vídeo el ejemplo de las salas en la provincia de Cádiz y cómo están actuando. La mayoría avisan en sus respectivas páginas web de lo sucedido e incluso anunciando la devolución del coste de entradas adquiridas previamente. Otros no han colgado nada en sus portales. 

Hacemos un recorrido por las Yelmo, Cinesur, Unión Cine Ciudad, etc. Pero sobre todo, lo importante: que te quedes en casa. No habrá críticas de películas de estreno en #UltimoEstreno en próximas semanas y sí reportajitos pendientes y curiosos. #coronavirus #quedateencasa

La banda sonora para despedir el día... 'Jules et Jim'/'Ana de los Mil Días'/'Agnes de Dios'

El compositor francés Georges Delerue nació el 12 de marzo de 1925 y falleció en 1992. Hoy hubiera cumplido 95 años... 

Con un acentuado sentido del lirismo musical, un admirable uso preferentemente de las cuerdas y una interesantísima evolución y adaptabilidad, Delerue fue uno de los compositores europeos más excelsos del mundo. Del cine de la 'Nueva Ola' con François Truffaut dio el paso a Hollywood y alternó películas de uno y otro lado, de un estilo y otro. 

Su banda sonora para una película icónica europea, 'Jules et Jim' (1962) es apasionante de estudiar. En el vídeo de esta noche os lo muestro con nueve secuencias. Me he pasado, pero realmente es digna de estudio. 'Jules et Jim' nos narra, al fin y al cabo, la historia de una mujer fatal. Una película que hoy sería difícil de rodar sin que recibiera acusaciones de machista. Jeanne Moreau encarna a Catherine. Caprichosa, altiva, manipuladora, con las tornillos de la cabeza idos, permanecerá en su vida a caballo entre dos amigos, Jules y Jim, se casará con el primero, después mantendrá un triángulo amoroso con Jules consentido, y la historia acabará en drama. 

¿Por qué Delerue inicia la película con música circense? Este estilo lo mantiene también en las tres secuencias posteriores. La música caprichosa, juguetona e infantil identifica a Catherine, de manera que cuando aparece en pantalla -fumando, dando vueltas la cámara tras ella como un tío vivo, vistiéndose de hombre- nos está describiendo a la protagonista femenina y la relación en principio divertida de los tres. Tenemos que aguardar a la secuencia en la que Jim ayuda a vestirse a Catherine para encontrar un bellísimo tema romántico que nos indica ya hasta dónde va a llegar el amor de ambos. En la siguiente secuencia, la chica se arroja al agua para llamar la atención, como buena estúpida que es, al sentirse ignorada por los dos amigos en el paseo nocturno. Una lástima que el desarrollo de la música de Delerue quede cortado por la voz en off de la que el filme abusa en más de una ocasión narrando la historia. Posteriormente ya nos percatamos de que la música circense da paso a un estilo tendente al vals. Los tres, con la hija del matrimonio, juegan en el campo con un bonito tema bucólico. La siguiente secuencia, una vez ya metidos de lleno los tres en el triángulo amoroso, vemos a Catherine con Jim en una escena adúltera con Catherine que se acompaña de un extraordinario y sensible tema musical. En el 6'35'' podéis comprobar -ya en otra escena- como Delerue utiliza el mismo tema bucólico del campo que os he dicho anteriormente pero en otro tono transformándolo en dramático ante lo que está sucediendo. Ya después, la secuencia del coche cayendo al río conducido por Catherine, que propicia este accidente en realidad para 'castigar' a su amante aun matándose ella, es acompañada por Delerue con tensión en unos mismos compases que terminan con un golpe de percusión igual que el que pudimos oír cuando Catherine se lanzó al mar para llamar la atención. Curioso paralelismo. 

Finalizamos con la marcha de Jules por el cementerio con un tema más de cierre de la historia que 'psicológico'. 

Tras 'Jules et Jim' os ofrezco los créditos de inicio de la película 'Ana de los mil días' (1969), banda sonora candidata al Óscar, un estupendo score con sones majestuosos como corresponde a la historia de Ana Bolena, la esposa de Enrique VIII. Como en otra ocasión he citado de pasada, esta fue la primera banda sonora que escuché en disco en mi vida siendo un niño muy pequeño, pero esa historia tendréis que leerla en el próximo libro 'Las bandas sonoras para despedir el día' que va marchando en imprenta ;-) 

Finalizo el vídeo con la secuencia final y parte de los créditos de la película 'Agnes de Dios' (1985), en la que Norman Jewison nos contaba la historia de una monja embarazada que nadie se explica qué ha sucedido. Interesante filme con una banda sonora magnífica -también candidata al Oscar-, con toques religiosos a lo largo del metraje, y este poderoso tema que os subo, delicado a la vez que amargo, con connotaciones eclesiásticas, con una melodía imposible de olvidar...

En recuerdo de José Luis López Vázquez

Hoy, 11 de marzo, hubiera cumplido 98 años. José Luis López Vázquez nos dejó en 2009 tras toda una vida dedicada en cuerpo y alma al cine y al teatro.

José Luis era de esos actores adaptados a los tiempos que corrían, camaleónico, capaz de hacer ''¡Vivan los novios!' a las órdenes de Berlanga y tan solo un año después 'Mi querida señorita', de Armiñán. Se subió a los escenarios para escenificar 'Don Juan Tenorio' con la misma pasión que 'Muerte de un viajante'. Su listado de películas y obras teatrales es ilimitado y reflejo de toda una época de este país.

Ya habíamos coincidido antes, pero en 2001 estuve con él toda una mañana en el Festival de Málaga, aprovechando un tiempo para una entrevista. "José Carlos, vente aquí conmigo, siempre a la izquierda, porque por el oído derecho ya es que no oigo nada", me dijo nada más vernos. 

El 28 de junio de 2003, siendo José Carlos Fernández Moreno director del Real Teatro de las Cortes de San Fernando y alcalde Antonio Moreno, vino a esta ciudad y asistió emocionado a la rotulación de una de las butacas del coliseo isleño en su nombre. Un día después puso en escena una obra dentro de la programación del Teatro. 

Las fotos que os cuelgo, en recuerdo de José Luis López Vázquez, muestran distintos momentos de aquel par de días, incluida su firma en el Libro de Honor de la Ciudad ante la mirada del alcalde y del concejal de Cultura, Francisco Romero. Me emociona mucho la del actor subiendo las escalinatas del Ayuntamiento del brazo de mi padre... 

Por entonces venían a San Fernando nombres como López Vázquez, Luis García Berlanga, Pepe Sacristán, Juan Echanove, Paco Algora, etc. había ciclos de proyecciones en la Casa de la Cultura que coordinábamos, Carlos Pumares venía a La Isla a dar sus gritos sobre el futuro que le esperaba al cine, y el Teatro disfrutaba de una programación envidiable. Otros tiempos, claro está...

Las fotos son cedidas por Antonio Atienza, menos la mía en Málaga.

En recuerdo de Max von Sydow: 'Pelle el conquistador'

Preguntado en numerosas ocasiones por sus mejores experiencias en su dilatada carrera en el cine, el actor sueco Max von Sydow -fallecido hace tan solo unas horas- citaba las películas en las que fue dirigido por Ingmar Bergman y un filme de 1987 que por entonces arrebató el Oscar a nuestra 'Mujeres al borde de un ataque de nervios' representando a Dinamarca. 

Por mucho que nos pesara y tal como dije entonces, esta película a la que Max von Sydow tenía tanta estima era una auténtica joya. 

'Pelle el conquistador' contaba la dramática historia de un padre y su hijo dispuestos a emprender rumbo a Estados Unidos para salir de su paupérrima vida. Para subir al barco necesitan dinero, y la única manera que encuentran es trabajando en una granja en condiciones infrahumanas. La vida en este lugar obligará a Pelle a madurar a golpe de experiencias propias y ajenas. Contemplará las intrahistorias de las personas que le rodean, sufrirá la burla de los otros niños, luchará contra la propensión al alcohol de su padre... Pelle se hará adulto en un viaje a ninguna parte, en un frustrado intento por un punto y aparte que deberá emprender en solitario cuando ya es capaz de ello dejando atrás a su progenitor. 

Max von Sydow está inmenso en esta película. Y para contribuir al dramatismo de la historia, el compositor sueco Stefan Nilsson (1955) escribe una banda sonora amarga, con un tema pianístico que nos traslada la misma imagen de la dureza de la soledad del padre y del hijo y de sus vidas a nuestros oídos de una manera extraordinaria, empleado en varias ocasiones en el filme y que termina por desarrollar con orquesta -especialmente cuerdas- a la conclusión de la película. En el vídeo que esta noche os ofrezco, en memoria de Max von Sydow, os lo muestro. Antes, os he seleccionado dos secuencias: el inicio de la película con la salida de puerto del velero que primeramente toman Pelle y su padre, con el que es el otro tema musical más relevante del filme, de una belleza elegíaca brillante, en el que las cuerdas dejan paso al clarinete en la conversación entre ambos atemperando el momento dramático para regresar a los violines mostrándonos el barco alejándose del puerto sin hacernos olvidar antes la mirada enigmática de Pelle ante lo que se aproxima... Ya en el puerto, la banda sonora también juega un estupendo papel a la hora de mostrarnos al padre y al hijo tratando de encontrar a alguien que les socorra. La siguiente y segunda secuencia no tiene música. Os la ofrezco para ver cómo con el silencio también se construyen momentos, en esta caso el padre de Pelle ebrio ante los llorosos ojos del niño impotente. Posteriormente entra el piano con el tema que finalmente podéis oír en el final de la película ya desarrollado. 

Stefan Nilsson​ goza de fama en su país y no solo compone bandas sonoras. Desgraciadamente, es complicado encontrar obras suyas para el cine editadas y siempre son interesantes las BSO para las películas dirigidas por Bille August además de 'Pelle', como son 'Jerusalén' o 'Las mejores intenciones'. 

(Texto del libro en imprenta 'Las bandas sonoras para despedir el día')

La banda sonora para despedir el día... 'El secreto de la pirámide'/'Silverado'

Para la generación de los que hemos llegado recientemente a los cincuenta años, la década de los ochenta fue inolvidable en el cine. Hay películas que conforman nuestro particular cofre de joyas, algunas maravillosas en cuanto a calidad, otras no tanto, pero son patrimonio indiscutible de nuestro corazón cinéfilo. 

Es muy probable que queramos tanto a Steven Spielberg no solo por sus películas como director, sino también por aquellas que hizo posible estando detrás en su faceta de productor. Gracias a él, nuestros ojos de quinceañeros se llenaron de alegría, lágrimas o asombro con filmes como 'Poltergeist', 'Regreso al futuro', 'Gremlins' o 'El secreto de la pirámide'. Y con ellas, sus bandas sonoras, algunas que también forman parte de nuestra vida desde entonces y que, de manera enfermiza, no solo silbábamos días y días después de escucharlas en sus respectivas películas, sino que desde entonces no nos han abandonado. Cuando han aparecido sus ediciones discográficas en diferentes formatos, inmediatamente han formado parte de nuestra particular discoteca, costara lo que costara su búsqueda... y al bolsillo. 

Hoy, décadas después, contemplo mi propia sombra cuando ando por cualquier lugar y repentinamente estoy silbando el tema de los créditos de 'El secreto de la pirámide'. Debo estar enfermo, pero me importa un bledo si es así. Soy feliz con mis rarezas. 

Y precisamente en todo esto hay un compositor que juega un papel fundamental para nosotros. Hoy, 8 de marzo, cumple 76 años. Se trata de Bruce Broughton. Jamás pude imaginar, con 16 años, que varias décadas después iba a compartir no uno sino varios encuentros, charlas, intercambio de opiniones, alguna que otra cena y más cosas con el autor de aquella arrebatadora banda sonora.

Broughton es un extraordinario compositor, con un manejo de las melodías y un conocimiento del sinfonismo excepcional, que en los ochenta fue capaz no solo de musicalizar aquella pequeña joya dedicada a un joven Sherlock Holmes, sino también películas como 'Silverado' o 'Tombstone', demostrando su amor al western y el manejo orquestal y de las emociones de los personajes en filmes arriesgados, cuando el 'cine del oeste' no se encontraba en su mejor momento con los espectadores centrados en otros gustos. Después llegaron 'Los rescatadores en Cangurolandia', 'Moonwalker' y la ingrata labor de poner una brillante música a un filme con Michael Jackson como protagonista y plagado de sus canciones, lo que te deja en segundo lugar musicalmente hablando por razones obvias; 'Bambi 2', 'Milagro en la ciudad', etc.

Broughton ocupa un lugar privilegiado entre los amantes de la música de cine, pero en general no está incluido en el olimpo de los músicos para la pantalla. Creo que no tuvo proyectos de gran calado, películas exitosas, a partir de los noventa, y que hubiera necesitado filmes mayores para que su música llegara aun más lejos. Pensar que solo fue nominado al Oscar en 1985 por 'Silverado' es triste, porque su capacidad, sus conocimientos y su bagaje nos invitan a pensar que Broughton no ha dicho aun su última 'palabra musical'. 

El vídeo que os he montado incluye secuencias 'El secreto de la pirámide' y 'Silverado'. Comienza con los créditos, esa estupenda música sinuosa perfecta para acompañar los andares de ese enigmático personaje con sombra, con una instrumentación plagada de fugaces y dinámicos momentos maravillosos. Fijaos que, en cuanto finalizan los créditos, la siguiente imagen es la luminosa ciudad, cómo Broughton cambia la música, la hace 'abierta', el momento en el que Watson contempla la fachada del edificio tras bajarse del carruaje... 

La siguiente secuencia es inolvidable. El sacerdote en sus visiones de la vidriera y el soldado que sale de ella. Fijaos el papel de la música para acompañar. ¡Ojo, que las notas finales del atropello (03:13-03:17) nos indican algo! Metraje después, ya al rato, tendrá lugar la ceremonia de la secta con ese famoso tema musical que cantan durante el ritual. Os la enlazo inmediatamente. Efectivamente, ¿a que detectáis las mismas notas? ¡La música une las muertes y a sus autores en diferentes momentos del filme! Por cierto, las reminiscencias del tema con el 'Carmina Burana' de Carl Orff son diáfanas...

Ya tras esta película, os ofrezco tres cosas de 'Silverado': un vídeo del propio Broughton dirigiendo la 21st Century Symphony Orchestra en Viena interpretando el tema principal, una secuencia demostrativa de cómo la música acompaña a dos de los personajes y la tensión que provoca Broughton en el duelo final con sus notas y su percusión marcando el tempo. 

(Textos del libro en imprenta 'Las bandas sonoras para despedir los días').

La banda sonora para despedir el día... 'Gringo viejo', de Lee Holdridge

Coincidiendo con el cumpleaños del director de cine Luis Puenzo, en febrero de 2019 grabé un pequeño vídeo que subí al canal UltimoEstreno de Youtube reivindicando su película 'Gringo viejo'.

Aproveché la ocasión para llamar también la atención sobre la extraordinaria banda sonora que el compositor Lee Holdridge escribió para este filme ambientado en la revolución mexicana y una particular relación entre los personajes interpretados por unos crepusculares Gregory Peck y Jane Fonda. 

Sensible y bella partitura aderezada con sones mexicanos para localizar la acción a través de la música, el vídeo tenía como objetivo situar esta banda sonora donde se merece al darme la sensación de que pasó inadvertida en su momento. 

Tanto es así que no me duelen prendas en comparar algunos pasajes con la alabada 'Leyendas de Pasión' de James Horner por razones que podréis ver y oír. Arriba tenéis el vídeo.

Hoy, 3 de marzo, es el cumpleaños de este estupendo compositor -76 años- que también tiene en su haber otras bandas sonoras dignas de mención como 'El señor de las bestias' o 'Al este del edén', la serie de televisión grabada en 1981 para la que compone un elegantísimo score que podéis escuchar en este enlace: https://www.youtube.com/watch?v=7ih7T1_uY7k

La banda sonora para despedir el día... 'Escarlata y negro'/'Amén'-Ennio Morricone/Armand Amard

El 2 de marzo de 1939 comenzaba el papado de Pío XII. 

El Vaticano había elegido nuevo pontífice, al que le tocó vivir momentos sumamente complicados, desde la Segunda Guerra Mundial hasta los avances del comunismo en la recta final de su pontificado. 

En el cine se me vienen a la memoria dos producciones en las que Pío XII juega un papel destacado. Ambas son de la etapa más controvertida de este papa, es decir, de los años en los que el nazismo tenía bajo su bota a Europa mientras el Vaticano permanecía neutral ante aquel dantesco panorama. Las dos películas son distintas incluso en el tratamiento dado a un papa del que se ha llegado a acusar de nazi por un lado y de víctima por otro.

El primero de los filmes es 'Escarlata y negro', una producción de 1983 hecha para televisión con un notable elenco actoral del que destaca Gregory Peck en el papel del monseñor Hugh O'Flaherty, que salvó a varios miles de judíos de las garras de los nazis. Un personaje real que da pie a una cinta con banda sonora de Ennio Morricone, que utiliza tonos marciales, con percusión y trompeta como elementos fundamentales para el tema de inicio y que repetirá en varias ocasiones, yendo por lo tanto en consonancia con el marcado carácter militar del filme, centrado en la invasión alemana de Roma. En el vídeo de esta noche subido al canal de Youtube #UltimoEstreno os dejo detalles curiosos de esta banda sonora, como el uso del instrumento de la iglesia por antonomasia, el órgano, que Morricone dispone cuando aparece la plaza de San Pedro, o su manera de contribuir a la tensión entre los personajes.

La otra película es 'Amén', un excelente filme dirigido por Costa Gavras en 2002. Cineasta controvertido, con películas con una gran carga de denuncia política, no se corta un pelo a la hora de mostrarnos un Pío XII permisivo con la barbarie nazi. Lo hace con otro personaje que también existió, el militar alemán Kurt Gerstein, que se percata de que en los campos "de trabajo" no se "desinfecta" a los judíos, sino que se les gasea con Ziklon B. Entonces cambiará de actitud, horrorizado por lo visto, comentará la situación con un sacerdote jesuita del Vaticano y ambos en cada frente tratarán de denunciar lo que está sucediendo en el mundo. 

'Amén' es una película con secuencias de gran crudeza: aquellos deficientes mentales jocosos y felices enarbolando banderas del III Reich antes de ser exterminados, el momento en el que los tipos de la SS le muestran en Treblinka al oficial alemán cómo asesinan a los judíos, a través de las mirilllas de las puertas y cómo la propia Iglesia permitió que asesinos nazis salieron indemnes tras la guerra. 

El compositor frances Armand Amard hizo una banda sonora minimalista, que juega un importante papel dramático, con un gran sentido de la lucha contrarreloj contra el tiempo, como así lo padecen los protagonistas para detener la barbarie.

El delito de cagar

A mí me importa un carajo lo que diga Willy Toledo. No voy a creer más ni dejar de hacerlo porque le lleve escuchando decir las cosas que va soltando desde hace tiempo. Tampoco me voy a hacer pastafari por la pintoresca comparación que ha empleado hoy. Pienso que a ningún creyente con las ideas claras le debe afectar estas cosas. 

Una vez expuesto esto, y después de que la justicia -que es quien debe hacerlo- haya dicho la última palabra sobre lo que es o no delito, hay dos cosas que no le perdono a Willy Toledo. Una, que no sea consciente del mal gusto que significa cagar, ya sea como verbo, con el reflexivo detrás, hacerlo uno mismo, en alguien... Cagar es algo que no tenemos más remedio que hacer, pero es muy desagradable. De manera que ya tengo claro que ni a la fe ni a la ley les importa una mierda -nunca mejor dicho- lo que diga este hombre, pero jamás le perdonaré ni a él ni a nadie que hablen de cagar todo el tiempo. El uso continuado de semejante palabra es delito contra el buen gusto. Y en ese banquillo habría que sentar a millones de personas que nos rodean, porque hoy estamos todo el día cagando. "Me cago en el taller del coche", "me cago en el bordillo de la acera", "me cago en el calentador estropeado", "me cago en el vecino", "me cago en tu padre", "mecagoendié" de toda la vida -que no es más que cagarse en Dios-, "me cago en ti" que rezaba (mejor utilizo decía, por si acaso) aquella canción de "Me cago en el año viejo..." de Mike Laure. En resumidas cuentas, todo un rosario (una retahíla, perdón) de cagadas de repugnante mal gusto por culpa de esa antiestética palabra y obra. 

Así que eso no se lo perdono a Willy Toledo y tampoco a estos innumerables seres humanos que todo el día defecan figuradamente, porque en el sentido literal de la palabra no tienen-tenemos más cojones que hacerlo. Hay quienes su literalidad la pregonan como algo normal. "Voy a cagar", "ya he cagado", lo cuentan incluso en facebook y se quedan tan panchos porque no hay quien les lleve ante un juez, desgraciadamente. 

Lo segundo que no le perdono a Willy Toledo es que, una vez se cague en lo que le dé la real gana, pasemos a lo importante, que es que se dedique a hacer más cine, a hacer valer sus méritos y disfrutemos de lo que es: un brillante actor. Así que espero ansiosamente que deje de echar mierda figurada y poder disfrutar de él. También así evita que salgan imbéciles que aprovechan para decir pamplinas como las que se están leyendo desde ayer: "En este país te puedes cagar en Dios pero no en los proetarras ni en los independentistas". Pues yo leo continuamente grandes cagadas contra especímenes de estos dos gremios y a nadie sientan en un banquillo por hacerlo. Puede usted también tener el mal gusto de Willy Toledo y cagarse en ellos, no le va a pasar nada. Tampoco voy a cambiar mi forma de pensar sobre filoterroristas y Torra y compañía porque usted se cague en ellos o no.

https://www.elmundo.es/cultura/2020/02/29/5e5a60d3fdddff00428b4642.html

La banda sonora para despedir el día...'Carmen'/'Montoyas y Tarantos'/'La venganza'. PACO DE LUCÍA

Tal día como hoy, 26 de febrero, pero de 2014, fallecía uno de los músicos españoles más virtuosos con un instrumento, en este caso la guitarra. 

Paco de Lucía sentía una sensación extraña en la playa mexicana de Cancún -allí caía la tarde, en España era de madrugada- mientras jugaba con su hijo más pequeño. Sus manos jamás volvieron a transformar aquellas cuerdas en elixir musical emanado de un dios del flamenco. 

Lo cierto es que Paco de Lucía tuvo una estrecha relación con el cine que incluso le propició un reconocimiento mundial. Es obvio cuál era su estilo, lo que no fue óbice para que, además de ponerle música a películas relacionadas con el cante jondo, también experimentara y fuera contratado por directores extranjeros. El caso más, digamos, pintoresco, fue cuando en 1984 lo llamó el cineasta británico Stephen Frears, director años después de 'Las amistades peligrosas' para que le pusiera música a su nueva película, 'The Hit', llamada en España 'La venganza', un tutum-revolutum de cine negro con localización en nuestro país en el que aparecían nada menos que John Hurt y Terence Stamp como protagonistas, charlando a los sones de la guitarra de Paco de Lucía. En el vídeo que os ofrezco esta noche para recordar al guitarrista y compositor os lo muestro en tercer lugar. 

En los dos primeros tenemos varios momentos de 'Carmen', la película que en 1983 dirigió Carlos Saura basada en la famosa historia que escribiera Prosper Mérimée versionada desde la perspectiva del flamenco, con Antonio Gades, Laura del Sol y Cristina Hoyos en los principales papeles. 

Saura embauca al espectador con la saga de musicales étnicos que dirigió en aquellos años -Flamenco, Sevillanas, Tango, Fados, etc.- y aquí contó con Paco de Lucía tanto como actor -es un miembro de la compañía de Gades- como músico y compositor. Desde el inicio de ‘Carmen’ hay una poderosa mescolanza de músicas, la grandiosidad de Bizet en los créditos da paso a un intercambio auditivo con la composición de De Lucía y su virtuosismo interpretativo. ¡Canta Marisol en esta secuencia en la penúltima película de su carrera en la que apareció! En otra secuencia nos recuerda una lapidaria frase sobre las mujeres y los gatos y posteriormente escuchamos un delicado tema que acompaña a los dos protagonistas frente a un espejo. 

La película de Saura y la música expresamente escrita por Paco de Lucía para 'Carmen' no pasaron desapercibidas. Fue nominada al Oscar a mejor cinta de habla no inglesa representando a España, al Globo de Oro, a los Bafta y a otros galardones más. 

Ya en 1989, Paco de Lucía compone la banda sonora de 'Montoyas y Tarantos', que vuelve a optar al Oscar sin lograrlo. En los Goya aspiró a siete apartados y precisamente los dos 'cabezones' que se llevó fue a mejor sonido y música original. Creo que el desarrollo fílmico que De Lucía logró en 'Carmen' no está tan presente en la película de Vicente Escrivá, donde en numerosas ocasiones su música no posee valor narrativo alguno sino de acompañamiento a lo visual. En la secuencia que os ofrezco en el vídeo lo podéis comprobar al servir como ejemplo. 

Ya en otras películas de distintos directores, temas previamente compuestos o tocados a la guitarra por Paco de Lucía han sido utilizados en numerosas ocasiones. 

(Texto del libro en imprenta 'Las bandas sonoras para despedir los días')

La banda sonora para despedir el día... 'Picnic'/'De aquí a la eternidad'

El 25 de febrero de 1908 nació George Duning, un compositor al que a día de hoy no se le ha reconocido como se merece. 

Durante casi dos décadas fue el compositor que musicalizaba las películas de la Columbia y se introdujo en el mundo de la televisión en su última etapa. Aun siendo un músico de exquisitas partituras que se desenvolvía extraordinariamente en los románticos melodramas de la Columbia, su versatilidad se demuestra a lo largo de los años cuando en su última etapa compuso para series de televisión. Duning pasó de crear música para clásicos como 'Salomé (1953) a componer para capítulos de la serie de TV 'Ster Trek', siempre con satisfactorios resultados. Falleció en el año 2000 a los 97 años.

Fue nominado al Oscar en cinco ocasiones, pero nunca lo logró. Dos de ellas fueron sendos trabajos para grandes películas: 'De aquí a la eternidad' (1953) y 'Picnic' (1955). A la primera le ganó 'Lili', de Bronislau Kaper y a la segunda 'La colina del adiós', de Alfred Newman. En el vídeo que os adjunto hoy hago un repaso por las bandas sonoras de ambas películas. Comienzo por 'Picnic' debido a su gran interés. 

Es muy probable que una buena parte de los millones de jóvenes que se tragan decenas de subproductos seudorománticos contemporáneos o películas encumbradas hasta haber sido distinguidas con la vitola de intocables no hayan visto jamás 'Picnic'. Se trata de una película demostrativa de que en el cine de entonces -y hablamos de los años cincuenta del pasado siglo- existían menos complejos, incluso mayor libertad, para tratar determinados temas como todo lo referente a lo sexual. Si 'Lolita' de Kubrick ya lo demostró algunos años después, Joshua Logan consigue con 'Picnic' una película perturbadora en la que el sexo está presente de manera constante.

En resumidas cuentas, la cosa va de un chulo que no sabe qué hacer en el mundo, llega a un pueblo sureño de USA donde encontrará a un antiguo compañero de estudios y la dulce novia de éste se enamorará del cachas recién aparecido. Argumento de adolescentes sino fuera porque, junto con esto, la hermana (aun más) pequeña también se siente atraída por él, una profesora amargada que se emborracha y aborrece a su novio intenta hasta violar al tipo durante un baile e incluso la actitud de la madre de las dos chicas es a veces ambigua cuando contempla al musculoso protagonista. Si para colmo el papel se lo dieron a William Holden, que por entonces tenía 37 años, y el de la chica enamorada a Kim Novak, que tenía 22, el morbo está servido.

Hay para mucho de que hablar sobre esto, pero no es el objetivo de este post, sino destacar que George Duning compone una partitura con un grandioso tema principal que en vídeo lo podéis escuchar en los créditos iniciales, acompaña perfectamente con su composición a la 'presentación' del personaje de Hal Carter (W. Holden) ante el grupo de mujeres y se da en este filme algo que en pocos, a lo largo de la historia del cine, se ha hecho tan estupendamente: en el memorable baile de Holden con Kim Novak en el picnic y cuya tragedia se masca (la aparición de Novak y su contorneo es algo extraordinario), la secuencia se inicia con el tema 'Moonglow' compuesto en 1933 por Will Hudson, Irving Mills y Eddie DeLange, para paulatinamente ir introduciéndose el tema de George Duning para la película con los violines de la orquesta.

Finalizamos 'Picnic' con los momentos finales de la película y la marcha de Kim Novak-Madge de su hogar. 

Para terminar el vídeo, os recuerdo la famosa secuencia de la playa de 'De aquí a la eternidad', otra estupenda banda sonora de Duning que acompaña de manera romántica la secuencia y se amolda al momento de tensión que provoca Burt Lancaster censurándole a Deborah Kerr sus relaciones amorosas anteriores. Escuchad cómo la música se vuelve grave, después se silencia, apostillando el cambio anímico de ambos, y el regreso al romanticismo de violines tras las explicaciones de la chica. "Vuelve aquí, sargento. Te contaré toda la historia".